Une question d’honneur, le Chūshingura ou la légende des 47 rônins (5/5): 47 occasions de montrer son talent d’artiste.

Pour terminer cette série d’article, j’ai choisi deux rônins dont je propose de découvrir les variations de représentation à travers différentes séries d’estampes.

  1. Horibe Yahei Kanamaru (織部矢兵衛金丸)

Il s’agit d’un des personnages les plus âgés de la bande, il a 71 ans. On le reconnait facilement grâce à ses cheveux blanc et à son faciès souvent marqué par des rides profondes. Ici on retrouve l’aspect iconographique fort associé à chaque personnage. Le but étant bien sûr que le public puisse identifier chaque personnage le plus facilement possible.

Ce personnage apparaît notamment dans un passage où il est question de poésie. Les 47 rônins se sont divisés en trois groupes pour ne pas éveiller l’attention et passent la soirée dans trois différentes auberges afin de dissiper tout soupçon sur une éventuelle attaque du palais de Kira. Un des trois groupe prétend organiser une rencontre de haikai (ancêtre du haiku) et pour sauvegarder les apparences, ils composent des poèmes. Voici un extrait de ce passage:

” Dans la sombre nuit,

Tous les oiseaux se taisent.

Ce triste silence finira… Quand?

Au chant de gloire du rossignol.”

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A côté de moi se trouvait assis Horibe Kanamaru de qui, un mois plus tôt, j’avais fêté la soixante-dixième année. Fils cadet d’un daimyô du Nord, il avait l’extraordinaire vitalité de sa race. C’est à peine, malgré son grand âge, si ses cheveux grisonnaient. Sa force et son agilité semblaient ne jamais devoir diminuer.

Cependant les races du Nord ne sont pas lettrées. Aussi ne fus-je pas étonné de voir Horibe se pencher vers son voisin et de l’entendre demander d’une voix mécontente:

“Que trouvez-vous d’admirable dans ces poèmes? Je ne songe qu’à notre voyage et ne comprends rien.”

Son voisin ne sourit pas : l’ignorance qui désire une explication est respectable. Il est aussi lâche d’abuser de sa science que d’abuser de sa force. Il répondit donc:

“Les sapins vigoureux penchés sous la neige glacée, c’est notre clan ployé sous son infortune. Le soleil qui fondra demain la neige…

– C’est notre victoire, interrompit le vieux guerrier. J’ai compris. L’image est admirable, en effet. Et nous sommes sans doute les oiseaux dans la sombre nuit…

– Je verrais plutôt là une image du peuple qui, dans la nuit noire de l’injustice, attend que s’élève le chant des vengeurs.”

Horibe hocha la tête:

” Les mots et les phrases sont trop subtils. Je comprends seulement les poèmes que l’on trace de son sabre dans la chair de son ennemi. […]”

Extrait tiré de “Les 47 rônins, Le trésors des loyaux samouraïs, SOULIE DE MORANT George, Budo éditions, 2006, p.142.

Voici cinq images, dont quatre du même artiste, pour illustrer la variété et l’originalité de chaque composition. Ces séries sont souvent commandées par des groupes de riches amateurs souhaitant commémorer l’événement ou offrir ces estampes luxueuses en cadeau. Outre les portraits, on peut trouver des extraits de texte, des motifs se référant à l’histoire, des cartouches indiquant le titre de l’œuvre et/ou la scène représentée, des éléments décoratifs.

Quelques points communs à ces cinq œuvres:

  1. Le costume en dents de scie noir et blanc est typique de l’iconographie des 47 rônins. Tu peux ainsi toujours les identifier, même si tu ne connais pas la scène ou que tu ne sais pas lire.
  2. Horibe est un des rares rônins à être représenté les cheveux blancs et la peau très ridée. Chaque rônin a sa particularité qui va permettre son identification rapide (si on connait l’histoire et toutes ses variantes et reprises populaires bien sûr).
  3. Malgré ses rides et son apparente vieillesse, le visage de Horibe est toujours très expressif et renvoie à son caractère valeureux de guerrier intrépide. Son rang et sa valeur se reflètent dans tous les aspects de son être
  4. La variété des scènes: portait statique, portrait rapproché en action, scène au thème et à la composition dramatiques. Autant de variation qui permettent à l’œuvre de s’adapter au goût d’un public évoluant très vite et toujours en quête de sensations fortes.


Utagawa Kuniyoshi, Histoires des vrais loyaux samourai (Seichû gishi den, 誠忠義士傳), Oribe Yahei Kanamaru (織部矢兵衛金丸), 1847-1848.

Ici Horibe est représenté édenté et courbé, ce qui tranche avec les autres portraits de cette série représentant plutôt de vifs guerrier dans le feu de l’action.

Utagawa Kuniyoshi, Oribe Yahei Kanamaru (織部矢兵衛金丸), dans la série “Portraits des fidèles Samurai de la Vraie Loyauté“, (Seichû gishi shôzô, 誠忠義士省像), 1853.

Dans cette œuvre, la position peu naturelle d’Horibe est expliquée par le fait qu’il est en train d’esquiver un coup de lance lancé par un adversaire hors champ. Malgré le détail de son visage ridé, l’accent est mis sur la souplesse de ses mouvement qui laisse deviner quel redoutable guerrier il est encore.

Utagawa Kuniyoshi, Oribe Yahei Kanamaru (織部矢兵衛金丸), dans la série “Vrais Portraits des fidèles Samurai“, (Gishi shinzô, 義士真像), 1853.

Dans une position plus classique des portraits d’hommes célèbres (on retrouve cette pose notamment dans les représentation des Cent poètes, célèbres depuis l’époque Heian (794-1185)). La différence réside dans le détail des traits physiques et dans l’expressivité du visage. Les mots qui me viennent à l’esprit sont digne, déterminé et redoutable. On est loin des portrait codifiés où aucun traits de personnalité ne vient animer le visage.

Utagawa Kuniyoshi, Oribe Yahei Kanamaru (織部矢兵衛金丸) dans la série “Miroir de la vraie loyauté des fidèles serviteurs, portraits individuels”, (Seichû gishin meimei kagami, 誠忠義臣名々鏡), 1857.

Cette série est particulièrement intéressante car elle propose des jeux de composition très poussés. Tout d’abord la disposition générale des élément:

  • sur la partie supérieur droite, on trouve le cartouche en forme de tsuba (garde décorée d’un sabre) avec le nom de la série.
  • sur la partie supérieur gauche, on trouve un texte ou un poème donnant le contexte de l’image principale.
  • dans la partie inférieure est représentée l’issue spectaculaire d’un combat au sabre opposant Horibe et son ennemi. D’un coup de sabre, la tête de l’ennemi vole jusqu’à sortir du cadre, accompagné d’un jet de sang.
Ogata Gekko, Horibe Yahei Kanamaru dans la série Chûshingura,, 1895-1903.

De composition plus épuré, le style de Ogata Gekko est très différent de celui de Kuniyoshi. La force de l’image est véhiculée par le détail des chaque personnages au premier plan alors que le paysage se fond dans une brume opaque laissant à l’œil tout le loisir de s’attarder sur la qualité des étoffes, la justesse des plis et la force des traits. Les coloris tout en douceur viennent donner à l’œuvre cette atmosphère particulière, tranchant avec la tradition de l’art ukiyoe.

2. Sakagaki Genzo Masakata (板垣伝蔵正賢)

Ce rônin est réputé pour être un buveur invétéré peu digne d’être un samouraï. Il s’agit bien sûr d’une ruse pour mieux tromper l’ennemi et passer pour inoffensif alors qu’en réalité c’est un guerrier et un espion redoutable. Il sait tromper le monde et est prêt à affronter le mépris de tous pour sa cause. Voici un extrait :

“Il est peu d’hommes qui n’aient aucun penchant destructeur. Pour les uns, c’est la passion du jeu; pour d’autres, la luxure, le goût du vin ou bien la colère. Les malheureux affligés d’un de ces défauts se laissent généralement ruiner par lui. Bien rares sont les habiles qui savent maîtriser leur vice, ou même l’utiliser pour servir leur cause. Il convient donc de citer ici spécialement celui qui est maintenant et pour jamais l’une des gloires de notre divine nation, l’illustre Akaigaki Masakata […].

Chacun riait donc d’Akaigaki et pensait que le daimyô le gardait par charité. Et lui, dans son dévouement profond, acceptait le mépris dont sa réputation était entachée. Il se soumettait sans un mot aux outrages et aux railleries.

Nul ne savait la vérité. […]

[…] un jour, au retour d’une expédition victorieuse, il jugea que services ne seraient pas requis jusqu’au prochain lever du soleil. Il convia donc quelques amis et se livra sans la moindre retenue à son goût favori [la boisson], si bien que ses convives le quittèrent sans qu’il pût faire un mouvement, alors qu’il aurait dû les accompagner jusqu’au seuil.

A ce moment, un écuyer vint l’inviter à se rendre à l’instant même avec ses armes devant le Premier Conseiller, afin de recevoir des instructions pour une mission immédiate. Akaigaki, fouetté par le sentiment du devoir, fit un effort désespéré et se releva. Il ajusta tant bien que mal son casque et son armure et, titubant, les yeux vagues, se présenta devant son chef. Celui-ci feignit de ne pas remarquer cet état singulier, et lui donna ses ordres. Il s’agissait de monter à cheval sur le champ et d’aller s’assurer des intentions d’un groupe armé dont la présence avait été signalée au delà des collines.

Or un buveur troublé fait rire. Qui songerait à se méfier d’un homme qui ne peut marcher droit, et dont la bouche pâteuse donne à chaque mot, prononcé avec difficulté, u ne prononciation inattendue? Chacun se juge invisible par-delà les fumées de son ivresse. L’on rit, l’on parle devant lui sans songer à se garder.

Il en fut ainsi ce jour-là, Akaigaki, cependant, par un effort héroïque de volonté, maintenait son attention et sa mémoire en éveil. Il regardait, il écoutait. A son retour, il sut répéter exactement chaque mot et chaque geste de ceux qu’il avait visités.”

Extrait tiré de “Les 47 rônins, Le trésors des loyaux samouraïs, SOULIE DE MORANT George, Budo éditions, 2006, p.123-124.

Note : les noms selon les versions écrites ou illustrées peuvent varier. Ici dans les estampe ce personnage s’appelle “Sagagaki” alors que dans la source littérature que j’ai utilisée, il est appelé “Akaigaki”. Il s’agit donc bien du même personnage (sauf erreur de ma part).

Comme pour la figure de Horibe, Akaigaki a aussi un signe distinctif: il est souvent représenté avec une bouteille de saké à la main ou à proximité. C’est l’élément qui permet de l’identifier du premier coup d’œil.

A travers les trois œuvres suivantes, je te propose de découvrir trois ambiances, mais aussi de revenir sur les trois œuvres représentant Horibe de ces trois mêmes série, tu les identifieras sans problème, et de comparer les jeux de composition, les atmosphères et les effets que tu ressens d’une image à l’autre.

Utagawa Kuniyoshi, Sakagaki Genzo Masakata (板垣伝蔵正賢), dans la série “Histoires des vrais loyaux samourai” (Seichû gishi den, 誠忠義士傳), 1847-1848.
Utagawa Kuniyoshi, Sakagaki Genzo Masakata (板垣伝蔵正賢) dans la série “Miroir de la vraie loyauté des fidèles serviteurs, portraits individuels”, (Seichû gishin meimei kagami, 誠忠義臣名々鏡), , 1857.
Ogata Gekko, Sakagaki Genzo Masakata, dans la série Chûshingura,, 1895-1903

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  • Pour lire l’histoire des 47 rônins dans son intégralité: “Les 47 rônins, Le trésors des loyaux samouraïs, SOULIE DE MORANT George, Budo éditions, 2006.
  • Pour découvrir les différentes séries d’estampes sur le thème du Chûshingura :

par Utagawa Kuniyoshi (1798-1861)

par Utagawa Hiroshige (1797-1858)

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(c) Le Japon avec Andrea

Une question d’honneur, le Chūshingura ou la légende des 47 rônins (4/5) : un thème incontournable de l’estampe ukiyoe.

Les légendes et faits historiques: une sources d’inspiration pour les artistes

Maintenant que nous sommes familiers avec le récit palpitant des 47 rônin (où la loyauté, la vengeance, et l’honneur s’entremêlent dans une saga digne d’un blockbuster samouraï) j’ai envie que l’on se penche un peu sur la manière dont les artistes s’en sont emparé. Ressentir l’énergie de cette époque et de ces histoires épiques à travers les yeux des artistes ukiyoe (litt. image du monde flottant) est un voyage qui vaut le détour !

Depuis l’époque Edo et le développement de l’impression d’estampe à grande échelle, la demande d’images est constante. Les artistes se tournent vers les thèmes populaires: récits de champs de batailles des ères précédentes comme le “Dit de Hôgen”, les textes de cour comme le “Dit du Genji” et autres histoires qui, encore récemment, n’étaient partagées que de manière orale par les moines errants. Avec le développement des techniques d’impression, la normalisation de l’éducation et une soif grandissante d’aventures, les genres littéraire explosent et la part belle revient aux yomihon, ces “livres à lire” où le texte prime sur les images. Très vite, le talent d’artistes comme Hokusai, associé à la force des scènes épiques, va venir donner des frissons aux lecteurs les plus téméraires.

La nouveauté avec le Chûshingura? Les faits historiques ne sont pas si lointains.

Les événements relatés ont eut lieu en 1702 seulement ! La réalité des faits, les thèmes abordés sont donc très vifs dans l’esprit du public. Loin des récits de batailles datant du 12e ou du 13e siècle, ici il s’agit d’un thème moderne, remettant au goût du jour les valeurs du bushidô de manière concrète, palpable voire palpitante!

Le détails des scènes et les descriptions de chaque rônin permettent également aux artistes de déployer leur talent et leur style dans des compositions originales.

Les 47 rônin ne sont pas seulement des personnages historiques, ils sont des êtres vivants, animés de passion et de force. Chaque rônin est représenté avec une personnalité distincte, souvent munis de leurs attributs respectifs. Les visages gravés sur le papier semblent refléter les joies et les peines, les triomphes et les défis de leur quête de justice.

Les artistes ukiyoe ne se contentaient pas de capturer les actions des rônin, mais ils ont également figé les émotions qui animaient leurs âmes. Les nuances subtiles dans les expressions, les regards déterminés, les postures majestueuses – chaque détail contribue à créer une connexion émotionnelle tangible entre le spectateur et ces guerriers légendaires.

Prépare-toi à ressentir le souffle du vent dans les feuilles de pin de Sengaku-ji et à entendre les échos des katanas clairsemant l’air dans cette aventure visuelle unique offerte par l’ukiyoe. Bienvenue dans le monde flottant des 47 rônin !

Entre choix esthétiques et iconographiques

Le Chûshingura a été illustré par de nombreux artistes ukiyo-e, mais ici j’ai choisi de me focaliser sur les œuvres de Ando Hiroshige (1797-1858), Utagawa Kuniyoshi (1797-1861), et Ogata Gekko (1859-1920).

Les scènes de bataille sont impressionnantes et l’occasion pour nous de creuser le thème de la représentation des éléments dans l’espace.

Si chez Hiroshige par exemple, les katanas, brillant à la lueur des lanternes, dépeignent l’intensité des combats nocturnes menés par les 47 rônin. Kuniyoshi utilise quant à lui des contrastes plus audacieux entre l’obscurité des ruelles d’Edo et la lumière des lames pour souligner l’héroïsme de ces guerriers déterminés.

L’estampe n’est pas simplement une image figée, mais une séquence narrative. On peut presque sentir le vent sifflant à travers les pinèdes du Sengaku-ji, le lieu de repos final des 47 rônin. L’ukiyoe transmet l’histoire de manière vivante, un véritable kaléidoscope d’émotions et de moments figés dans le temps.

Ce qui est caractéristique, c’est que chaque artiste a su apporter son style unique et sa vision à cette saga légendaire. Chaque série est pensée et exécutée dans le but assumé de surprendre le spectateur et d’aller toujours plus loin dans le représentation des émotions.

  • Un début d’architecture à l’occidentale

Les scène d’invasion de palais était l’occasion rêvée de se frotter à la perspective occidentale. Au Japon, avant l’arrivée des œuvres occidentales la perspective dite “au point de fuite” n’existait pas. Les artistes utilisaient une perspective intuitive et des codes de représentation iconographique pour représenter les distances et autres éléments dans l’espace.

Pour exemple, une estampe de Hiroshige comparée à une de Kuniyoshi représentant l’attaque du palais de Kira (les deux images sont contemporaines l’une de l’autre).

Ando Hiroshige, Chûshingura, Acte XI, L’attaque de nuit, Partie 2 (夜討二 乱入), 1835-1839.
Utagawa Kuniyoshi, Chûshingura, Acte XI, L’attaque de nuit, estampe, vers 1835.

Si d’un côté Hiroshige garde une approche plus traditionnelle quant à la représentation de l’espace et de l’architecture, Kuniyoshi a choisi une approche plus audacieuse en intégrant des éléments de perspective occidentale dans sa composition. Il s’est également essayé à la représentation “nocturne” en jouant sur une palette variée de gris.

On identifie parfaitement les rônins grâce à leur habit spécifique en dents de scie. Le noir et le blanc se fondent parfaitement dans le paysage de neige tout en ajoutant un effet visuel très fort.

  • Hiroshige, gardien des traditions

Ando Hiroshige était réputé pour sa capacité à capturer l’atmosphère et l’humeur d’une scène. Dans cette estampe illustrant l’attaque nocturne des 47 rônin, Hiroshige a pris le parti de mettre en valeur la beauté tragique de l’événement. On sent l’effervescence de l’attaque, la violence et la détermination des rônins jusque dans leurs gestes, leurs postures ou encore dans l’expression de leurs visages. Contrairement à l’œuvre de Kuniyoshi où les figures humaines sont disposées de manière presque chirurgicale, chez Hiroshige la masse presque indiscernable de ces guerriers aux habits si caractéristiques vient renforcer cette impression de violence et de résolution. On assiste bien au dénouement de l’histoire.

Ainsi, bien que Hiroshige ne soit pas aussi connu pour expérimenter avec les perspectives occidentales que Kuniyoshi, son génie artistique réside dans sa capacité à créer une composition évocatrice, suscitant une profonde réflexion sur les aspects émotionnels des protagonistes.

  • Le point de vue de Kuniyoshi

Utagawa Kuniyoshi, connu pour son style ukiyoe tranché, a également été intrigué par les innovations artistiques occidentales, en particulier les techniques liées à la représentation de la perspective. Dans son acte XI de la série “Chûshingura”, dépeignant l’attaque de nuit des 47 rônin, Kuniyoshi fusionne plus ou moins habilement les éléments traditionnels de l’ukiyoe avec des perspectives occidentales plus modernes.

Dans cette œuvre, la profondeur est capturée de manière saisissante bien que la perspective soit peu naturelle. Si les règles de construction de la perspective à l’occidentale sont respectées à la lettre, on sent encore une certaine maladresse dans la gestion des proportions entre bâtiment, personnages et paysage en fond.

Ce qu’il faut retenir, c’est que cette utilisation de la perspective occidentale ici ajoute une dimension nouvelle à l’histoire des 47 rônin. Elle donne vie à la scène d’une manière qui transcende les conventions artistiques de l’époque, témoignant de la capacité de Kuniyoshi à embrasser et à expérimenter avec différentes influences pour raconter une histoire vieille de siècles d’une manière nouvelle et captivante. C’est ainsi que l’ukiyoe, tout en préservant sa tradition, a su absorber et réinterpréter des éléments artistiques du monde occidental, contribuant à la richesse et à la diversité de cet art visuel japonais emblématique.

Ogata Gekko, Chûshingura : Muramatsu Kihei Hidenao, estampe, entre 1895 et 1903
  • Ogata Gekko, vers la modernité

Explorons plus en détail l’approche artistique d’Ogata Gekko à travers cette œuvre spécifique “Chûshingura : Muramatsu Kihei Hidenao” (image ci-dessus).

Cette estampe, réalisée entre 1895 et 1903, témoigne du talent de Gekko à fusionner la tradition de l’art ukiyoe avec des éléments modernes, tout en capturant l’essence dramatique de la légende des 47 rônin.

A une époque où le Japon traverse une période de modernisation extrême, Gekko a su rester fidèle au genre ukiyoe tout en profitant des nouvelles influences et des innovations occidentales. On le voit très bien ici dans le traitement de la couleurs mais aussi du dessin au trait fin et précis.

La composition de cette estampe est dynamique, mettant en avant Muramatsu Kihei Hidenao de manière imposante au centre de l’image. Les détails minutieux dans son visage expriment la détermination du guerrier, tandis que la position stratégique de son sabre suggère son rôle central dans la scène représentée. Gekko utilise des couleurs subtiles et des contrastes marqués pour attirer l’attention du spectateur et créer une atmosphère intense, tout en préservant cette impression feutrée de scène nocturne.

Ici on remarquera encore la parfaite maîtrise de la perspective et des proportions entre les différents éléments qui composent l’image. Les détails minutieux de l’architecture traditionnelle comme saupoudrée de neige et ceux du pin au premier plan qui vient équilibrer la composition prouvent que Gekko a su marier avec brio l’art ukiyoe et les influences occidentales.

En conclusion

Les œuvres de Ando Hiroshige, Utagawa Kuniyoshi, et Ogata Gekko, chacun maître dans son propre style d’ukiyoe, offrent des perspectives uniques sur la légende emblématique des 47 rônin.

Hiroshige a interprété l’attaque de nuit avec élégance et détermination, privilégiant une représentation emplie de violence, capturant l’atmosphère définitive du dénouement final.

Kuniyoshi, en revanche, a joué sur des contrastes acides conférant à ses scènes nocturnes leur énergie dramatique. Ses perspectives audacieuses et son expressivité marquée a su faire justice aux rônin et à leur quête de vengeance.

Quant à Gekko, il a su fusionner la tradition avec des éléments modernes, adoptant des techniques novatrices pour créer une estampe qui, tout en célébrant l’héritage de l’ukiyoe, témoigne également de la période de transition du Japon vers la modernité.

Ainsi, à travers ces trois maîtres, nous découvrons une diversité remarquable dans la manière dont l’ukiyoe peut interpréter et transmettre une histoire commune. Le style atmosphérique de Hiroshige, l’intensité dramatique de Kuniyoshi et l’innovation de Gekko illustrent la richesse de l’art ukiyoe et sa capacité à évoluer tout en préservant l’essence de la culture japonaise. Chacun de ces artistes a laissé une empreinte distinctive dans l’histoire visuelle des 47 rônin, offrant aux spectateurs une variété d’expériences artistiques à travers leurs chefs-d’œuvre intemporels.

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Dans le prochain et dernier articles consacré au Chûshigura, je te propose l’analyse de deux œuvres afin de clore en force ce voyage au cœur de la légende la plus populaire du Japon.

(c) Le Japon avec Andrea

Une question d’honneur, le Chūshingura ou la légende des 47 rônins (3/5) : le Sengakuji, témoin et garant de mémoire.

Toyokuni Utagawa III, Chōjūrō Sawamura V dans le rôle de Ōboshi Yuranosuke, tiré de Kanadehon Chūshingura (仮名手本忠臣蔵) “Le Trésor des vassaux fidèles” (pièce de théâtre de marionnettes), 1849.

Le temple Sengakuji est situé à Tokyo, près de la gare de Shinagawa, où Asano Naganori est enterré aux côtés de ses fidèles serviteurs qui sont morts en accomplissant leur mission de vengeance. Ce lieu attire de nombreux visiteurs qui viennent lui rendre hommage ou simplement en apprendre plus sur cette partie fascinante de l’histoire japonaise.

Aujourd’hui, il y a encore des gens qui font des reconstitutions de ce célèbre événement au temple Sengakuji chaque année le 14 décembre – l’anniversaire de la mort d’Asano Naganori – pour garder vivante la mémoire de ces braves guerriers samouraïs qui ont tant sacrifié pour la loyauté, l’honneur et la vengeance.

Cet événement attirant un public nombreux, il faut essayer de venir tôt pour honorer les stèles en allumant humblement des bâtons d’encens et en envoyant des prières pour le repos de ces âmes guerrières.

Si tu veux aller visiter le Sengakuji

Ce que tu vas y trouver

En visitant ce temple, tu découvriras des stèles commémoratives dédiées aux 47 loyaux sujets ainsi qu’un petit musée regroupant différents artéfacts liés à leur histoire.

L’adresse

〒108-0074 2-11-1 Takanawa, Minato-ku, Tokyo

Les horaires

Ouvert de 7h-18h de mars-septembre et jusqu’à 17h d’octobre à février.

Le musée de 9h-16h30 de mars-septembre et jusqu’à 16h d’octobre à février.

Les tarifs

La visite du temple est gratuite, mais l’entrée du musée est de 500 yen.

Pour plus de détail

Le site internet du Sengakuji (japonais et anglais) : http://www.sengakuji.or.jp/

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Dans le prochain article (publié le 18 décembre), tu découvrira la riche postérité de la légende des 47 rônins dans l’art ukiyo-e.

(c) Le Japon avec Andrea

Une question d’honneur, le Chūshingura ou la légende des 47 rônins (2/5): intrigue et faits historiques.

Des faits historiques à la légende

Avant de résumer l’intrigue, si tu souhaites lire les aventures des 47 rônins dans leur intégralité je te conseille le livre “Les 47 rônins, le trésor des loyaux samouraïs” de George Soulié de Morant chez Budô Editions (2006).

Tout commence lors d’un incident pendant les préparatifs en vue d’une cérémonie pour un envoyé impérial. A cette occasion, le chef des rites Kira Kôsuke no Suke, un lâche arrivé à son statut grâce à l’argent et non pour ses qualités, insulte le jeune daimyô (seigneur guerrier) Asano Takumi no Kami en insinuant qu’il est incapable d’effectuer les rites nécessaires (alors que c’est faux).

Asano provoque donc Kira en duel et dégaine son sabre.

Kira s’enfuit, tel le lâche qu’il est, et Asano qui le poursuit le blesse.

Sous le régime des Tokugawa, les shogun en place à l’époque Edo, il est formellement interdit de dégainer son sabre dans le palais. La punition infligée aux contrevenants est la mise à mort par éventrement traditionnel, le seppuku.

Asano, bien que jeune et intrépide, se soumet à l’ordre. A sa mort, ses fidèles samouraïs se retrouvent sans maître : ils deviennent des rônin (浪人) ou “homme sur les vagues”.1

浪 ろう (rou) = la vague

人 にん (nin) = la personne

Les rônins sont donc des samouraïs sans attache, dérivant sans but, des vagabonds, l’ombre d’un samouraï. N’ayant ainsi plus rien à perdre, ces 47 rônins sans raison d’être (protéger leur seigneur) n’ont plus qu’une obsession : venger la mort injuste de leur maître.

C’est une expédition difficile. Ça va leur prendre une année entière car ils doivent d’abord simuler l’indifférence face à la mort de leur chef, trouver un plan, mettre toutes les chances de leur côté, tout en endurant les moqueries de tous.

C’est surtout l’occasion de présenter et de venter les prouesses de chacun de ces guerriers aux talents spécifiques grâce à une succession d’épisodes plus ou moins rocambolesques. Nous y reviendrons dans l’article consacré à la représentation de ces rônins.

Ogata Gekko, Chûshingura : Muramatsu Kihei Hidenao, estampe, entre 1895 et 1903

Ils finiront donc par prendre d’assaut le pavillon de Kira par une froide nuit de décembre. Par souci de justice, les rônins offrent à Kira la possibilité de s’éventrer comme un brave, mais celui-ci est lâche jusqu’au bout et se dérobe, forçant les rônins à l’exécuter.

Le shogun n’intervient pas directement, car d’autres daimyô interviennent en leur faveur : ils ont réparé une injustice et ont même laissé à Kira une porte de sortie honorable qu’il a été incapable de saisir.

Les rônins seront tout de même condamnés au seppuku pour avoir porté la main sur un représentant du pouvoir (l’avoir tué et avoir incendié son palais).

Le seppuku est une mort honorable pour un samouraïs. La mort la plus honorable bien sur est celle rencontrée sur le champ de bataille, protégeant son clan et son seigneur, mais à défaut, la mort par rituel seppuku reste un privilège.

Les 47 rônins se rendent donc au temple Sengakuji2, là où repose leur maître. Il lui présente la tête de l’ennemi vaincu puis, après avoir reçu l’ordre de condamnation officielle, s’éventrent.

46 seulement s’éventre, car un des rônins a été désigné pour leur survivre et effectuer les rites funéraires appropriés et raconter leur histoire.

“Ils sont morts, mais leur mémoire ne périra jamais, car tous les cœurs, même les plus vils, ont admiration et respect pour les nobles sentiments qui, seuls, élèvent l’homme au-dessus de la bête.”3

Dans le prochain article, tu découvrira comment cette légende reste vivace et honorée notamment via le temple Sengakuji.

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Notes

  1. SOULIE DE MORANT George, Les 47 rônins, le trésor des loyaux samouraïs, Budo éditions, 2006, p. 26.
  2. Le Sengaku-ji se trouve à Tokyo : 〒108-0074 2-11-1 Takanawa, Minato-ku, Tokyo. Site web officiel (en).
  3. SOULIE DE MORANT George, Les 47 rônins, le trésor des loyaux samouraïs, Budo éditions, 2006, p. 171.

Couverture: Utagawa Hiroshige, Chūshingura (忠臣蔵), Acte XI , épisode 5, Le repli sur le pont Ryōgoku, (Youchi yon, Ryōgoku hikitori), estampe ukiyoe, 1836.

Une question d’honneur, le Chūshingura ou la légende des 47 rônins (1/5): un idéal guerrier.

Est-ce que tu as une âme guerrière ?

Si à Genève on fête l’Escalade1 le 12 décembre, les Tokyoïtes, eux, célèbrent la loyauté de ses fameux 47 rônins le 14 décembre.2

Le Chūshingura (忠臣蔵) ou la légende des 47 rônins est l’un des épisodes historiques favoris des Japonais. Elle a été reprise et adaptée d’innombrables fois au fil des ans, des pièces traditionnelles japonaises de kabuki aux films hollywoodiens, car même en Occident, cette légende est célèbre.

Aux sources de la légende: le bushidô

Pourquoi est-ce que cette histoire de guerriers déchus marque autant les esprits?

Tout simplement parce que cette histoire, devenue légende, met en avant les valeurs guerrières japonaises dans leur absolue essence et ainsi fait écho à un certain idéal martial.

Le bushidô (武士道, litt. “la voie des guerriers”) est un ensemble de codes de conduite, de principes moraux et de valeurs transmis de génération en génération de manière orale.3 Les principes du bushidô trouvent leurs racines dans les différents courants de pensée qui ont marqué le Japon au fil des siècles: bouddhisme, shintoïsme et confucianisme.

Si le premier enseigne “la soumission tranquille à l’inévitable”, une attitude stoïque face au danger et un certain dédain de la vie4 , le second prône la loyauté envers le souverain, la piété filiale et un certain patriotisme créant ce lien inébranlable entre la nation, les ancêtres et l’empereur5, unifiant tous les hommes à un même idéal. Le confucianisme quant à lui fournit au bushidô ses principes éthiques régissant les rapports entre les guerriers et le reste du monde.6

Si le caractère rude du guerrier et l’importance associée à son rang et son honneur pourraient le rendre susceptible et arrogant, les concepts puisés dans les différents courants de pensée évoqués plus haut permettent de pondérer le caractère du guerrier qui cherchera toujours l’harmonie dans ses actions et dans ses attitudes.7

Les principales qualités recherchées chez un guerrier sont :

  • la justice
  • la loyauté
  • le courage
  • la maîtrise de soi
  • la compassion
  • la piété filiale
  • la politesse
  • la sincérité
  • l’honneur

Plus concrètement, la classe sociale des bushi (武士) s’est définie en fonction du contexte historico social du 12e siècle jusqu’à 1603, début de l’ère Edo, période durant laquelle le pays est déchiré par des guerres civiles successives.

La guerre est le processus naturel de sélection chez les guerriers: les plus forts, les plus valeurs, les plus combattants vivent et ainsi deviennent dignes des honneurs, des privilèges et des hautes responsabilités. A noter que jusqu’au 12e siècle ces privilèges et hautes responsabilités étaient réservés aux hommes de cour. En effet, la première institution féodale est créée au 12e siècle avec l’instauration du premier shogun, Minamoto no Yoritomo. Le shogun est le général détenteur du pouvoir effectif (militaire) par opposition à l’empereur qui conserve le pouvoir religieux.

C’est dans ce contexte que le bushidô comme énonciation des règles de conduite et d’un code moral commun a joué un rôle fondamental.

Il est peut-être intéressant de rappeler que l’idéal absolu du bushi est la paix. Il ne dégainera son sabre qu’en dernier recours, que s’il a épuisé toutes ses ressources de diplomatie, de courtoisie et de bienséance.8

Revenons à nos rônins

Dans le cas du Chûshingura, même s’il s’agit au départ de faits historiques avérés, la légende à très tôt pris le dessus en personnifiant ces valeurs, celles du bushidô, à travers chaque personnage. Idéalisés ou caricaturés, les protagonistes donnent à vivre un idéal guerrier qui résonne dans le cœur des Japonais (et des amoureux du Japon).

Dans cette série d’articles consacrés au Chûshingura, je t’invite à découvrir avec moi les trames de cet événement tragique, mais aussi la richesse iconographique liée à la légende des 47 rônins et ce qu’il reste aujourd’hui, notamment grâce au temple Sengakuji (泉岳寺) à Tokyo. C’est parti!

……………….

Notes

  1. L’Escalade fait référence à l’assaut infructueux du Duc de Savoie Charles-Emanuel 1er (catholique) contre la république protestante de Genève la nuit du 11 au 12 décembre 1602.
  2. Si la date retenue officiellement pour les célébrations est celle du 14e jour du 12e mois de l’an 15 de Gennroku (14 décembre 1702), à l’origine, selon le calendrier lunaire, le dénouement final a eu lieu le 30 janvier 1703. (SOULIE DE MORANT George, Les 47 rônins, le trésor des loyaux samouraïs, Budo éditions, 2006, avis au lecteur.)
  3. NITOBE Inazô, Le bushidô, L’âme du Japon, Budo éditions, p.18.
  4. Ibid, p.23.
  5. Ibid, p.24-25.
  6. Ibid, p.26.
  7. Ibid, p.24.
  8. YAMAMOTO Tsunetomo, Hagakure, Ecrits sur la Voie du samouraï, traduit par NICKELS-GROLIER Josette, Budo éditions, 2005, p.116.

Couverture: Utagawa Hiroshige, Chūshingura (忠臣蔵), Acte XI , épisode 2, Entrée par effraction dans le palais de Kira (Youchi ni, rannyū), estampe ukiyoe, 1836.

La figure du chat au Japon à travers une œuvre de Hiroshige

Petit aperçu avant la conférence du 08 octobre prochain dans le cadre de l’Automne de Culture Japonaise 2023 (infos et inscription ici).

Le chat, toute une histoire

Au Japon comme ailleurs, la figure du chat est ambivalente, tantôt porte-bonheur, tantôt démon abominable. En un mot, le chat fascine.

Aujourd’hui je te propose l’analyse d’une estampe d’Andô Hiroshige tirée de sa célèbre série “Cent vues célèbres d’Edo” où le chat vient attirer notre attention.

Andô Hiroshige, Champs de riz à Asakusa et le festival Torinomachi (Asakusa tanbu Torinomachi mōde), in «Cent célèbres vues d’Edo» (Meisho Edo Hyakkei), planche n° 101, Hiver, entre 1857 et 1858, Brooklyn Museum.

Alors que les Japonais sont déjà friands de voyages et de découvertes, se développent un nouveau genre de série d’estampes représentant les célèbres lieux à voir absolument et ce à travers tout le Japon. Les «Cent vues célèbres d’Edo» s’inscrivent dans la tradition de ces séries à but touristique, ici abordant les lieux réputés incontournables de la capitale (Edo étant l’ancienne Tokyo).

Focus sur l’œuvre

Nous nous trouvons ici dans une chambre de courtisane du célèbre quartier de plaisir de Yoshiwara. Les différents détails de l’œuvre permettent de raconter une histoire tout en représentant un paysage en profondeur grâce à l’audace de la composition et à l’habileté de Hiroshige. En effet, les éléments du premier plan nous laissent subtilement deviner qu’une courtisane a reçu un client : les peignes en bambou décorés (coin inférieur gauche de l’image) et juste au-dessus le papier en rouleau.

Pourquoi ces deux éléments indiquent la présence d’une courtisane et de son client ? Les peignes sont appelés kumade et sont des souvenirs typiques associés au festival Torinomachi dont on voit la procession par la fenêtre. La présence de ces peignes ainsi que le fait qu’on les ait sortis de leur emballage pour être admirés, suggèrent que quelqu’un les a offert tout récemment (le client) et que quelqu’un les a reçu et les admirés (la courtisane). Quant au papier, que l’on aperçoit presque en passant, c’est ce qu’on appelle le «papier pour l’acte honorable» (onkotogami), qui est l’accessoire indispensable à toute courtisane.1

Il ne s’agit pas ici seulement de l’ingéniosité de l’artiste, mais bien une des particularités de ces estampes de luxe (nishikie) dont le but n’était pas uniquement de proposer de belles images à admirer en bonne compagnie, mais aussi l’occasion de montrer son goût et ses connaissances à travers un jeu de sous-entendu et d’éléments à multiple signification.

Là où un chat paisible semble s’adonner à la contemplation de l’euphorie et de l’activité humaine se déroulant à l’extérieur, en réalité un autre genre d’euphorie à lieu non loin, derrière le paravent tout juste esquissé.


L’artiste ne montre rien, mais nous révèle tout!

………….

  1. OUSPENSKI Mikhail, Hiroshige, Parkstone Press International, New York, 2008, p. 219.

Que vient faire le chat ici ?

Ici le chat a un rôle principal, mais par défaut… Je m’explique. Si la scène principale (la courtisane et son client) n’est que suggérée tout comme la procession en arrière plan, il faut bien trouver un sujet concret à l’image. C’est là que le chat entre en scène.

Le chat reste le symbole de l’intérieur confortable et chaleureux. Ici aucune référence à son ambivalence symbolique (queue coupée, pelage blanc et gris), il s’agit donc d’un chat de compagnie ordinaire, qui se prélasse devant la fenêtre et par ce stratagème, nous indique qu’il y a bien quelque chose à voir de ce côté. Sa présence est donc indispensable à la lecture de l’image.

Si tu veux des histoires de chat démon, je t’invite à la conférence sur la figure du chat dans les contes japonais du dimanche 08 octobre 2023 (infos et inscription ici).

(c) Le Japon avec Andrea.

Papillon et pivoine, où comment les insectes peuplent les images à l’époque Edo (1/3).

Les insectes font l’objet d’une catégorie spéciale dans l’art chinois et japonais, celle des kusamushi-e (草虫絵) ou “Herbes et insectes”.

Depuis aussi loin qu’on se souvienne, les insectes ont sans cesse été observés, recensés, collectionnés puis peints ou gravés. Tout comme dans la catégorie des kachô-e (花鳥絵) “Fleurs et oiseaux”, où chaque espèces d’oiseaux est associée à une fleurs, ici, chaque insecte est associé à une herbe ou plante.

Comme le printemps s’en vient, aujourd’hui je te parle de papillon.

papillon chô

Le papillon est souvent associé à la pivoine, car tous deux représentent la longévité :

La pivoine pour son nom chinois meoutan qui comporte le mot tan (cinabre), drogue d’immortalité qui l’associe au phénix1. Le papillon pour le jeu de mot avec le terme “septuagénaire”, tout deux se disant t’ie.2 Par association, ces deux motifs ensemble sont devenu le symbole porte-bonheur de longévité.

Au Japon, la papillon est aussi un esprit voyageur qui peut annoncer une visite ou la mort d’un proche. Par extension, la rencontre avec un papillon blanc est perçu dans la croyance populaire comme la visite de l’âme d’un défunt.

Les représentations du thème des “herbes et insectes” sont ainsi des images véhiculant des messages symboliques et font le délice des amateurs lettrés qui sauront les déchiffrer.

Dans ce contexte, les estampes nishiki-e (錦絵, litt. “image de brocard”) étaient des supports privilégiés. Ce sont effectivement des œuvres luxueuses destinées à un public de riches amateurs, mettant en avant les prouesses de composition des artistes mais aussi le talent des imprimeurs tout en jouant sur les effets de mode.

  1. CHEVALIER Jean, GHEERBRANT Alain, Dictionnaire des symboles, éd. Robert Laffont et éd. Jupiter, Paris, 1982, p.762.
  2. Ibid, p.728.
Utagawa Hiroshige, Papillon et pivoines, estampe nishiki-e, encre sur papier, format chûban vertical, époque Edo, MFA Boston.)

Ici un magnifique exemple de Hiroshige dans un format vertical. Les pivoines délicatement colorées répondent à un papillon plutôt terne qui permet ainsi de ne pas saturer l’image. La composition simple et efficace de cette estampe ravi le spectateur qui se sent transporté en Chine.

La touche chinoise est encore accentuée par l’inscription en haut à gauche, imprimé dans une police particulière.


牡丹花福貴者也

Botange fukisha nari

“bénédiction de la fleur de pivoine” *

Répondant à la signature en bas à droite, ces deux inscriptions encadrent l’image harmonieusement et créent un jeu visuel délicat.

*traduction non vérifiée… je ne parle pas chinois ( ^-^ ).

Voici un deuxième exemple où on retrouve cette association du papillon et de la pivoine. Il s’agit cette fois d’une œuvre de Katsushika Hokusai.

Katsushika Hokusai, Papillon et pivoine, estampe nishiki-e, entre 1830 et 1850.

Ici les pivoines sont plus présentes, comme si Hokusai nous invitait à découvrir son jardin. Le spectateur peut imaginer plonger sa main dans le buisson et sentir le parfum envoutant des pivoines. Chez Hiroshige il s’agissait plus d’une image voulue synthétique, représentative d’un message symbolique. Ici les symboles sont tout aussi présents, mais donne l’illusion d’une plus grande intimité entre image et spectateur.

J’aime bien aussi le traitement du papillon qui nous montre un point de vue particulier puisque l’artiste a choisi de nous montrer les ailes vues de dessus, selon un angle peu évident.

Je termine avec un poème de Bashô :

物好や匂わぬ草にとまる蝶

monozuki ya niowanu kusu ni tomaru chô

.

un papillon se pose

sur une herbe sans odeur

curiosité

.

Dans mon prochain article j’aborderai l’influence occidentale dans la perception et la représentation des insectes dans les œuvres de l’époque Edo.

………………………………..

Lors de ma boutique popup “Un air de printemps”, les papillons seront aussi à l’honneur. Ne manque pas ces prochaines dates d’ouverture : 17 au 23 avril 2023. Ça se passera dans l’onglet “boutique”.

Je suis bien impatiente de te faire découvrir mes nouveaux motifs printaniers et mes produits spécialisés autour du haiku et du japonais!

Murmures de dragon sous le mont Fuji

Avec cet article je renoue avec ma passion première, celle de l’art japonais.

Quoi de mieux que de se faire plaisir avec un artiste comme Hokusai…

… et une figure aussi belle qu’incontournable qu’est celle du mont Fuji ?

Donc aujourd’hui je te présente une œuvre qui figure dans mon palmarès ultime, le ehon* “Cent vues du mont Fuji” (3 volumes) de Katsushika Hokusai (1760-1849) publié entre 1834 et 1835 pour les deux premiers volumes et les années 1840 pour le troisième.

Outre la force et la virtuosité que l’on connaît des estampes de Hokusai, ce qu’on trouve dans ses ehon c’est aussi un humour et une audace extraordinaire.

Pour voir ça en détail, je te propose de découvrir une des planches du volume 2 intitulée “Tôryû no fuji”.

* voir en bas de page pour le glossaire des termes japonais.

http://www.degener.com/1606-35a.htm

Quelques jeux de mots

Tout d’abord, parlons humour.

Dans chaque estampe, on trouve toujours un cartouche mentionnant le nom de la série à laquelle appartient l’image, mais aussi le nom de la scène. On trouve ensuite différents sceaux permettant d’identifier les différents artistes ayant travaillé sur l’image (graveur, imprimeur, éditeur, etc.).

Dans les ehon, c’est bien sûr différent. On trouve sur l’image en elle-même uniquement le titre de la planche (on trouvera parfois sur la tranche le titre de l’ouvrage). Ici les cartouches sont minimalistes.

Le titre de cette planche : “Tôryû no fuji” (登龍の不二) (oui, ça se lit de haut en bas et de droite à gauche).

Et là, magie du japonais, plusieurs images nous sautent aux yeux!

Le mont Fuji en japonais s’écrit normalement avec les kanji suivants : 富士山 (fujisan), littéralement la montagne (山) de la richesse (富) et de l’abondance (士).

Alors pourquoi Hokusai a-t-il utilisé d’autres kanji ?

Tout simplement pour créer la surprise et donner plus de profondeur à son œuvre.

不二 (fuji) se prononce de la même manière que 富士 (fuji).

Par contre, si l’un signifie la “montagne de la richesse et de l’abondance”, l’autre signifie “dont il n’y en a pas deux” ou ” sans égal”.

Hokusai joue donc sur les mots sans rien enlever à l’aura sacrée de la montagne la plus haute du Japon (3776 m), symbole national par excellence et source intarissable d’inspiration artistique.

Mais ce n’est pas fini avec les jeux de mots…

Parce que Hokusai est très fort à ce jeu, mais aussi parce que les amateurs d’images sont friands de ce genre de raffinements.

On se rappelle aussi que l’objectif de ces ehon est d’être vendus… Si une série d’estampes de haute qualité pourra se vendre très cher à des amateurs fortunés, les ehon sont destinés à un plus large public. De la même manière, si une estampe peut se vendre à l’unité, le ehon se vend en plusieurs volumes. Or, si l’éditeur veut que l’acheteur revienne pour le volume 2, il faut lui donner de quoi assouvir sa soif de jeux, de surprises et de nouveautés.

C’est là que l’imagination et l’audace graphique de Hokusai entrent en scène.

Revenons au titre de cette planche : “Tôryû no fuji” (登龍の不二) et plus particulièrement cette fois sur 登龍 (tôryû).

Pour un Japonais, le lien se fait tout de suite avec l’expression “登龍門” (tôryûmon) qui signifie “les portes du succès” ou “ouvrir la voie au succès”.

En revanche, si on prend les kanji séparément, on a 登 “grimper” et 龍 “dragon”, ce qui nous donne littéralement “dragon grimpant”. Un lien subtil est ainsi fait avec les deux éléments prédominants de cette planche : le dragon et le mont Fuji.

Il s’agit donc de nouveau d’un jeu de mots délicat mêlant bon augure jeu visuel. Cette mise en abyme du thème à plusieurs niveaux est un des aspects sophistiqués recherché par les amateurs d’estampes de l’époque Edo.

Et toi, quel titre tu préfères alors ?

Fuji au dragon grimpant ou Fuji de la voie du succès ?

Prouesse graphique en toute simplicité

Si ses grandes estampes nishiki-e telles que la célèbre série “Trente-six vues du mont Fuji”, outre leur beauté, sont parfois un peu figées, les illustrations de livre de Hokusai sont toujours pleines de vigueur. A tel point qu’on doit être capable de pouvoir fermer le livre si on se sent submergé d’émotions !

La beauté graphique et la vigueur des lignes sont ce qui fait la force des illustrations de livre de Hokusai.

Si les estampes luxueuses sont recherchées pour la variété subtile des couleurs (dont le fameux bleu de Prusse qui, suivant un effet de mode, est particulièrement mis à l’honneur dans les”Trente-six vues du mont Fuji” ) et les effets techniques (gaufrage, etc.), les ehon sont de simple feuilles de papier de riz imprimées en noir et blanc.

La magie opère donc ailleurs.

Entre les formes et les lignes.

Le mont Fuji, figure par excellence de la grandeur et de la beauté du Japon, prend à lui seul toute la première page (oui, un ehon se lit de droite à gauche!). Ses lignes épurées touchent le ciel, libre de toute nuisance.

Vient ensuite le dragon et sa force intrinsèque. Il amène la foudre et les nuages, eux aussi stylisés en de belles volutes régulières.

Les contrastes sont saisissants :

  • la sobriété du Fuji contre les détails du dragon
  • le lointain clair contre le proche foncé (il s’agit d’un code graphique)
  • la diagonale forte provoquée par l’écart entre nos deux motifs (Fuji en haut à droite et dragon en bas à gauche).

Un mot encore sur la technique d’impression.

Il est intéressant de rappeler ici que si Hokusai est l’auteur de ces images, il n’en est pas l’exécuteur.

Je m’explique.

Hokusai fournit le dessin en lui-même, que lui a commandé l’éditeur. C’est ensuite l’éditeur qui choisit un graveur puis un imprimeur qui vont à tour de rôle prêter leur talent pour faire de ces images les chefs-d’œuvre que l’on connaît aujourd’hui.

Je le mentionne ici pour souligner l’importance de chaque aspect de la création d’une estampe, notamment celui de l’impression, car c’est elle qui va rendre l’estampe unique.

Si la planche est gravée une fois, elle doit être re-encrée avant chaque passage d’impression. On peut donc trouver différentes versions d’une même œuvre dû au choix de l’imprimeur.

C’est surtout valable pour les nishiki-e, mais on retrouve aussi cet aspect ici par exemple avec le dégradé en bas de l’image ou le détail dans les volutes.

Chaque passage est l’occasion d’infimes variations.

Pour aller plus loin

  • J’en profite aussi pour te dire qu’une conférence dédiée au motif du mont Fuji vu par Hokusai sera disponible dans un Set Box de Noël mis en vente dans ma boutique éphémère du 28 novembre au 04 décembre prochain (lien valable dès 17h le 28 novembre). Idéal à glisser sous le sapin des passionnés du Japon!

Vocabulaire

ehon : littéralement “livre d’images“. En opposition aux yomihon de l’époque Edo où le texte était prédominant. Dans les ehon on trouve généralement une succession d’images avec parfois une page de texte en début et en fin de volume uniquement. Ces ehon servaient entre autres de manuels didactiques pour les amateurs d’art.

kanji : idéogrammes chinois utilisés dans la langue japonaise.

nishiki-e : “estampes de brocard”. Ce terme est utilisé pour les séries d’estampes luxueuses de très haute qualité destinées à de riches amateurs. Contrairement aux impressions de livres ou autres estampes de moins bonne qualité, ces images présentaient une variété de couleurs et de nuances significatives ainsi qu’un raffinement dans les détails comme la technique de gaufrage (karazuri) ou l’utilisation de mica (à base de silice) pour donner un effet brillant. En général, les estampes que l’on trouve dans les musées occidentaux sont des nishiki-e.

Hokusai, le maître de l’illusion…

Les “Trente-six vues du Mont Fuji” de Katsushika Hokusai (1760-1849) reste une des séries d’estampes japonaises les plus connues au monde. Réalisée entre 1830 et 1833, elle représente le Mont Fuji, la montagne la plus sacrée du Japon, vu de différents lieux à travers les saisons. A noter que la représentation du Fuji n’est pas l’objectif principal de la série, plutôt un prétexte, afin que Hokusai puisse exprimer librement sa hardiesse et ses jeux de composition sophistiqués. Un bel exemple ici avec “Kajikazawa dans le province de Kai”, planche n° 45 (9e planche supplémentaire) de la série «Trente-six vues du Mont Fuji». On y trouve une composition fluide, où les deux parties de l’images, premier plan chargé et fond extrêmement sobre, sont reliées par ce pêcheur intrépide surplombant la mer. Si on y regarde de plus près, vous verrez que cette posture n’est pas innocente…

Nous sommes effectivement face à un jeu visuel apprécié autant par Hokusai que par les hommes à qui sont destinées ces estampes nishiki-e de luxe. Le rocher au premier plan, s’avançant au-dessus de la mer et prolongé par le corps du pêcheur, complété par les lignes délicates des filets de pêche en contrebas, reproduisent en réalité la forme du Mont Fuji, majestueux, représenté au loin.

Si les œuvres de Katsushika Hokusai vous passionnent, ne manquez pas notre prochaine Visite-Conférence en ligne:

Dimanche 02 mai 2021 – 14h30 – 15 CHF – Zoom

“Le Mont Fuji, vu par Hokusai”

Réservez votre place via la boutique en ligne:

Image : Katsushika Hokusai, “Kajikazawa dans le province de Kai”, planche n° 45 (9e planche supplémentaire) de la série «Trente-six vues du Mont Fuji», vers 1830….

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dimanche 7 janvier 2018 – Entre pluie et neige, beautés éphémères.

Dimanche 7 janvier 2018
Entre pluie et neige, beautés éphémères.
La représentation des éléments météorologiques dans les arts d’Edo à travers les collections japonaises de la Fondation Baur.
Rendez-vous à 14h30 au musée!

Fondation Baur, Musée des Arts d’Extrême-Orient – Rue Munier-Romilly, 8 – 1206 Genève

www.fondationbaur.ch

Prix: 15 CHF par personne (y compris Amis du musée), 12 CHF étudiants et AVS.

La Fondation Baur nous propose exceptionnellement l’entrée gratuite pour cette visite (en temps normal, l’entrée est payante même pour le premier dimanche du mois.) Nous en les remercions chaleureusement!

Inscription obligatoire: desexposenfolie@yahoo.fr – 077 471 40 85
www.desexposenfolie.ch
Bibliographie
  • à venir…