Dans la culture japonaise, l’hiver n’est pas seulement une saison de froid et de dépouillement. C’est aussi un temps de silence, d’écoute et d’attention aux signes discrets de la nature. Parmi ces signes, les oiseaux d’hiver occupent une place essentielle dans la poésie et les arts visuels. Cette série d’articles propose d’explorer trois oiseaux emblématiques de la saison froide : le pluvier (chidori), la grue (tsuru) et l’huîtrier du Japon (miyakodori). Ce premier volet est consacré au chidori, petit oiseau du rivage, modeste en apparence mais d’une richesse symbolique remarquable.

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Le chidori, un oiseau du rivage

Au Japon, le terme 千鳥 (chidori) désigne plusieurs espèces de petits échassiers vivant près de l’eau : plages, estuaires, rivières ou zones humides. Leur présence est particulièrement marquée en automne et en hiver, ce qui explique leur rôle de kigo hivernal dans la poésie classique.

De petite taille, au corps nerveux, le chidori se déplace rapidement sur le sable, s’arrête, repart, puis s’envole soudainement dans un vol vif et ondulant. Observé en groupe ou isolé, il donne une impression de mouvement incessant, presque désordonné. Le kanji 千 (sen, mille) évoque d’ailleurs cette idée de multiplicité, d’oiseaux innombrables survolant le rivage battu par le vent.

Symbolique du chidori : solitude, passage et persévérance

Parce qu’il vit à la frontière entre la terre et l’eau, le chidori est avant tout un oiseau de l’entre-deux. Dans la littérature japonaise, il apparaît souvent sur des plages désertes, au crépuscule ou sous un ciel d’hiver. Sa silhouette minuscule dans un vaste paysage marin accentue un sentiment de solitude paisible, parfois teintée de mélancolie.

Le cri aigu du chidori, perçant le silence hivernal, devient un motif sonore récurrent dans la poésie. Il ne rompt pas le calme, mais le rend perceptible. Cette présence discrète fait du chidori un symbole de l’impermanence et de la fragilité de l’existence.

Un jeu de mots ancien relie également chidori à l’expression 千取り, qui peut se lire comme « prendre mille ». De cette homophonie est née une symbolique de courage et de victoire, expliquant pourquoi le motif du chidori apparaît parfois dans des contextes guerriers ou comme ornement porteur de bon augure.

Lorsqu’ils sont représentés par deux, les chidori prennent enfin une dimension affective : ils deviennent un symbole d’union harmonieuse et de fidélité, thème que l’on retrouve aussi bien dans les arts décoratifs que dans la poésie.

Le motif chidori dans les arts décoratifs

Le chidori est omniprésent dans les arts décoratifs japonais. Son graphisme simple et rythmé se prête parfaitement à la stylisation. On le retrouve sur des kimonos, des tissus teints ou brodés, des laques, des céramiques et même certains kamon (blason, emblème des grandes familles japonaises).

Souvent représenté en répétition, le motif suggère le mouvement continu, le vent sur l’eau et le passage du temps. Par un détail minuscule, il évoque un paysage entier.

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Le chidori dans la poésie et le haïku

Dans le haïku et la poésie classique, le chidori est un kigo d’hiver fortement connoté. Il évoque les plages froides, le vent marin, la tombée du jour et l’errance du voyageur. Chez Bashō et d’autres poètes de l’époque d’Edo (1603-1868), le chidori n’est pas tant décrit visuellement qu’évoqué par son cri, élément sonore qui structure le paysage poétique.

Le chidori apparaît rarement comme un sujet central. Il agit plutôt comme un révélateur d’atmosphère, soulignant la vastitude du monde et la petitesse de l’être humain face à la nature.

Quelques exemples tirés du recueil “Haikus de bord de mer” aux éditions Moundarren :

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Le chidori dans les estampes japonaises

Les artistes de l’ukiyo-e ont été sensibles à la force évocatrice de cet oiseau minuscule, dont quelques traits suffisent à suggérer le vent, l’eau et la saison.

Suzuki Harunobu

Chez Suzuki Harunobu (1725–1770), le chidori s’inscrit dans une vision profondément poétique et atmosphérique du paysage. L’estampe « La rivière de joyaux de la préfecture de Mutsu » (Mutsu no tamagawa), issue de la série des Six Rivières de Joyaux, en offre un exemple particulièrement évocateur. La scène se déploie sur une plage calme, presque irréelle, où la ligne du rivage s’étire dans une grande douceur.

Dans le ciel, des chidori traversent l’espace, esquissés par quelques traits légers et aériens. Ils ne constituent pas le sujet principal de l’image, mais leur présence est décisive : elle suggère la saison froide, le vent venu de la mer et une forme de solitude silencieuse. Chez Harunobu, le chidori agit comme un indice saisonnier et émotionnel, un souffle discret qui anime le paysage sans jamais le troubler. Il devient un élément de respiration visuelle, renforçant le caractère contemplatif de la scène et invite le regard à circuler. L’oiseau participe ainsi pleinement à l’esthétique de la suggestion propre au milieu de l’époque d’Edo, où l’émotion naît de ce qui est à peine montré.

Katsushika Hokusai

Chez Katsushika Hokusai (1760–1849), le chidori apparaît dans une relation plus directe et plus tendue avec le paysage. On le retrouve notamment dans la planche 38 du volume II de l’Ehon « Cent vues du mont Fuji » (Fugaku hyakkei). Dans cette image, le mont Fuji, bien que présent, n’est pas toujours immédiatement perceptible : le regard est d’abord attiré par le mouvement de l’eau, le rythme du paysage et la circulation de l’air.

Les chidori, minuscules face à l’immensité de la scène, traversent le ciel et longent l’eau, comme jouant avec la vague. Ils accentuent la sensation de froid et de vent. Leur présence introduit une échelle vivante dans un paysage dominé par les forces naturelles. Chez Hokusai, le chidori n’est pas seulement un marqueur saisonnier ; il devient un contrepoint fragile à la monumentalité du monde, soulignant la vulnérabilité, mais aussi la poésie et la douceur du vivant face à la puissance de la nature, thème central de toute la série des Cent vues du mont Fuji.

Kamisaka Sekka

Avec Kamisaka Sekka (1866–1942), figure majeure du mouvement Rinpa (琳派)¹ moderne, le motif du chidori connaît une interprétation radicalement différente, plus décorative et plus épurée. Dans son œuvre célèbre représentant une rivière en hiver animée par des chidori (tirée de la série Momoyogusa), Sekka réduit le paysage à quelques éléments essentiels : l’eau froide, les rives suggérées, le rythme des oiseaux et le silence des roseaux glacés.

Les chidori, stylisés à l’extrême, deviennent presque des signes graphiques. Leur répétition crée une cadence visuelle qui évoque à la fois le mouvement du courant et le souffle du vent hivernal. Ici, l’oiseau n’est plus un simple détail narratif ou poétique : il est un motif structurant, capable de condenser la saison, l’atmosphère et l’émotion en une composition d’une grande modernité.

Cette approche fait écho à l’usage du chidori dans les arts décoratifs traditionnels, tout en annonçant une sensibilité résolument contemporaine.

1. Rinpa, littéralement “école de Kôrin”. Cette école prônait un art décoratif ancré dans la tradition Yamato-e où des sujets simples tirés de la nature dans un style sobre sur fond doré marquait leur profonde nostalgie pour les arts des époques anciennes.

Un oiseau d’hiver au cœur de la sensibilité japonaise

Discret, presque effacé, le chidori incarne pourtant une esthétique profondément japonaise : l’attention portée aux êtres modestes, la beauté du fugitif et le dialogue constant entre nature et émotion. Oiseau du rivage et du passage, il ouvre cette série hivernale comme une invitation à regarder autrement les paysages silencieux de l’hiver.

Dans les prochains articles, nous nous tournerons vers la grue (tsuru), oiseau de longévité et de majesté, puis vers l’huîtrier du Japon (miyakodori ), oiseau du souvenir et de la nostalgie poétique.

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Sources

• COLLET Hervé, CHENG Wing fun, Haikus du bord de mer, éditions Moundarren, 2023.
• HILLIER Jack, The Art of Hokusai in Book Illustration, Sotheby Parke Bernet Publications, University of California Press, 1980.
• KERVERN Alain, Le vent du nord, Grand Almanach Poétique japonais, Livre V, L’Hiver, Editions Folle Avoine, 1994.
• MOSCATIELLO Manuela (présenté et traduit par), Kamisaka Sekka, Les Herbes de l’Eternité, éditions Philippe Picquier, 2013.
• MURASE Mieko, L’art du Japon, Encyclopédie d’aujourd’hui, La Pochothèque, Librairie Générale Française, 1996.

(c) Le Japon avec Andrea

Le carnet de voyage n’est pas seulement un compagnon pour rassembler croquis, aquarelles et souvenirs : c’est aussi un terrain d’exploration créative, un espace où chaque page peut devenir un mini-univers.

Pour aider les débutants comme les plus expérimentés à varier les formats et les approches, je te propose aujourd’hui trois types de mises en page faciles à préparer et très amusantes à remplir :

• la page cabinet de curiosités
• la pleine page
• la page à bulles

Ces trois formats s’adaptent à toutes les situations — voyage, balade en ville ou après-midi au café — et permettent d’apprendre à regarder différemment.

1. La page Cabinet de Curiosités

La page Cabinet de Curiosités consiste à peindre ou dessiner plusieurs rectangles ou carrés de couleur directement dans ton carnet, avant même d’avoir commencé à dessiner. Ces cadres deviennent autant de petites fenêtres prêtes à accueillir des croquis rapides, des détails observés, une phrase, une texture, une couleur prélevée sur place…

Idéal pour :

• les sorties au musée
• les sorties au jardin botanique ou au parc
• une journée de voyage façon chronique

Pourquoi c’est génial ?

• Tu retires le stress de la page blanche : les cadres invitent naturellement à remplir.
• Tu peux varier les formats : petits, moyens, très étroits… cela guide le type de croquis à réaliser.
• Tu te constitues une “planche” de souvenirs vivante, parfaite pour capturer plusieurs moments d’un même lieu.
• Ce format te pousse à aller à l’essentiel et à regarder les détails tout en lâchant prise sur l’injonction à reproduire tout le sujet.

Comment faire :

1. Avant de commencer la visite, balade ou partir à l’assaut de ta journée :
   • Créer sur ta page des cadres de couleurs remplis ou non, de tailles différentes.
   • Laisser du blanc entre les cases pour un effet “cadre”.
   • Tu peux utiliser des feutres de couleurs, de l’aquarelle, des crayons aquarellables ou juste coller des rectangles de papier de couleur.
   • Laisse bien sécher tes cadres avant de partir.
   • Attention de choisir un medium sur lequel il est possible de dessiner !
2. Durant ta visite/balade/journée, fait des croquis au stylo liner ou au stylo bille des éléments qui te marquent, qui t’enchantent, qui te surprennent, etc.
   • Par exemple : des silhouettes, des feuilles, des façades, des textures, de petits objets, des motifs, des détails de tableau ou d’architecture…
   • Tu peux t’amuser à sortir du cadre et tester des points de vue différents.
   • S’il te reste des cases vides à la fin de ta visite, n’hésite pas à poser des mots sur tes émotions ou à prendre des photos des éléments que tu dessineras plus tard-
3. Astuces :
   • Si tu remplis tes cases, choisi des couleurs de fond assez claires pour pouvoir dessiner/écrire par-dessus
   • Ne choisis que 2 à 4 couleurs différentes pour ne pas surcharger la page
   • Si tu as un billet d’entrée (ici exemple MAH, billet d’entrée rose) choisis tes couleurs en fonction pour harmoniser la page.
   • Ose tester, même si tu ne “sais pas dessiner”, tu seras surpris.e du résultat !

Ta page devient ton petit cabinet de curiosités personnel.

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2. La pleine page

La “pleine page” consiste à utiliser toute la surface disponible, que ce soit en format vertical, horizontal, sur une double page complète. C’est une approche immersive, parfaite pour saisir l’ampleur d’un paysage ou la verticalité d’une architecture impressionnante.

Idéal pour :

• les paysages & panorama (horizontal)
• les monuments (vertical)

Pourquoi c’est génial ?

• En double page A5 ou A4, tu crées une composition cinématographique en plan large qui traverse la pliure du carnet.
• Tu t’offres un grand espace pour créer, idéal pour les panoramas, les scènes urbaines ou les vues spectaculaires. Ose voir grand !
• En vertical, tu valorises les monuments élancés : façades gothiques, tours, gratte-ciel, arbres immenses…
• En horizontal, tu racontes l’étendue : lignes de montagnes, rizières, port, plages, ruelles longues…

Comment faire :

1. Choisis ton orientation selon le sujet :
   • Horizontal pour les panoramas, paysages ouverts, lignes d’horizon.
   • Vertical pour les sujets étroits et hauts, ou les scènes en contre-plongée.
2. Décide si tu veux utiliser une seule page ou les deux : la double page permet de retranscrire une sensation d’espace plus forte.
3. Esquisse (crayon ou aquarelle très diluée) les grandes masses d’abord : ciel, silhouettes, volumes principaux.
4. Ajoute les détails progressivement, couche par couche, en laissant respirer certaines zones pour maintenir l’ambiance.
5. À l’aquarelle, travaille en larges lavis pour poser l’atmosphère, puis ajoute quelques accents précis pour guider l’œil.
6. Une fois sec, ajoute tes textes : date, lieu et anecdotes

La pleine page est une invitation à entrer dans la scène, à capturer une sensation globale avant de s’attarder sur les détails.

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3. La page à bulles

La page à bulles repose sur une simple idée : dessiner ou tamponner des cercles de tailles différentes sur la page, puis les remplir avec des croquis, des mots, des impressions ou de petites aquarelles.

On obtient une page ludique, rythmée et pleine de surprises, idéale pour résumer une expérience, un marché, un repas, un quartier ou une journée riche en petites découvertes.

Idéal pour :

• les sorties en nature
• les jours de flemme

Pourquoi on adore ?

• Les bulles apportent de la variété et du dynamisme grâce au jeu sur les différents formats des bulles.
• Tu peux harmoniser ta page grâce à l’aspect ouvert/fermé des bulles.
• Tu peux mélanger texte et dessin sans rigidité.
• Ce format est parfait pour saisir des objets précis : tasse, ticket, plante, détail architectural, texture, motif…
• Tu peux donc choisir de représenter que des petits bouts d’une scène et non sa totalité.

Comment faire ?

1. Avant de commencer ta balade, dessine des bulles avec un gabarit (verre, couvercle de bocal, rouleau de scotch, washi tape, …).
2. Varie bien la taille des cercles pour créer du rythme.
3. En balade, remplis-les selon ton envie :
   • petites scènes capturées sur le vif.
   • oiseaux, passants, végétation
   • mini-aquarelles,
   • notes de voyage,
   • impressions sensorielles
4. Choisi tes médiums en fonction du côté pratique (plein air ou intérieur). Rappelle-toi qu’un simple stylo bille suffit pour créer une jolie page !

La page à bulles devient un kaléidoscope de souvenirs, léger et joyeux.

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Trois mises en page pour enrichir ton carnet

Ces trois formats — cadres colorés, pleine page et page à bulles — stimulent ta créativité tout en offrant des façons différentes d’observer le monde. Que tu dessines en extérieur ou dans un café, ils t’aident à trouver ta propre manière de documenter ce que tu vois.

Tu peux même combiner ces approches :
→ une série de bulles dans une composition verticale
→ des cadres colorés autour d’un sujet monumental
→ un paysage panoramique accompagnée de notes en petites bulles

Le carnet de voyage devient alors un espace de jeu, d’expérimentation et de poésie visuelle.

(c) Le Japon avec Andrea

Les textes et images de cet article sont soumis aux droits d’auteur, aucune réutilisation partielle ou complète n’est autorisée.

En octobre dernier je suis partie 5 jours au sud de la France pour faire les premiers repérages en vue d’un projet en 2026 et bien sûr, j’ai tenu un carnet de voyage.

La folie d’octobre ayant été ce qu’elle a été, les pages sont restées telles quelles, certaines finies, d’autres en chantier, d’autres à peine esquissées… Je prévois de les finir d’ici fin décembre, mais en attendant, elles font un joli sujet d’article !

A travers ces pages j’ai eu envie de te montrer ce que ça peut être, un carnet “en cours de route“. Principalement pour :

• t’aider à lâcher-prise sur le résultat
• t’aider à être plus indulgent.e avec toi-même et prendre le temps
• t’aider à voir les différents processus de créations qui demandent du temps et un certain engagement
• et comprendre que certaines pages resteront inachevées, et c’est très bien
• t’inspirer à commencer un carnet de voyage lors de ta prochaine escapade !

J’ai réunis ces pages ici, pour arrêter de se mettre la pression et commencer à créer, là, maintenant, tout de suite.

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Vallauris – du 20 au 24 octobre 2025

Quelques pages finies pour :

• se motiver à terminer son carnet une fois rentré.e
• se souvenir de l’ambiance et de nos intentions premières

Quelques pages en chantier avec de la place pour :

• venir écrire plus tard des infos locales ou tes émotions mis en mots
• venir détailler et mettre en forme des informations reçues en vrac (par exemple notes sur la visite de l’usine Fragonnard à Grasse)

De nombreuses pages à peine esquissées mais avec :

• des notes plus ou moins précises
• des croquis
• des liens vers les photos prises afin de me rappeler ce que j’avais prévu au départ

Une visite privée de mon carnet (toujours en cours en novembre 2025)

• 3 pages finies
• 3 pages en cours
• 6 pages esquissées qui attendent mots et couleurs

Objectif : finir toutes ces pages pour fin décembre

Vu mon emploi du temps et les impératifs qui arrivent début décembre, ce ne serait pas réaliste de m’imposer de finir ces pages avant… d’où l’importance de prendre des notes, des photos et de commencer les pages sur place !

(C) Le Japon avec Andrea, tous droits réservés

Cette année dans le cadre de l’Automne de la culture japonaise 2025 mon amie Florence et moi avons proposé deux ateliers sur le thème des motifs japonais: un atelier aquarelle avec des motifs décoratifs et un atelier couture pour créer une pochette avec des tissus japonais aux motifs plus sobres voire géométriques.

Verdict ?

Merci pour cette belle édition 2025 !

Les mots de nos participants

Merci pour ce très beau moment de douceur. Je suis très heureuse de repartir avec une pochette finie ! Merci encore pour cet accompagnement de qualité autant dans la réalisation de la pochette, que dans les explications concernant les motifs des tissus. – M.

J’ai beaucoup aimé cet atelier d’aquarelle original et bien présenté. Avoir un aperçu des différentes techniques (mouillé sur mouillé, mouillé sur sec, sec sur sec), même sur des sujets limités a été très enrichissant pour moi qui débutait complètement. Pouvoir repartir avec une petite palette de couleurs artisanales m’a donné l’occasion de tout de suite m’y remettre une fois rentrée! Merci pour cette découverte! – P.

C’est toujours un plaisir de suivre les cours d’Andrea et cette fois-ci, avec la couture j’étais vraiment curieuse. Une fois de plus il n’y a rien à redire : deux passionnées qui nous partagent connaissances, précision et bonne humeur. Je recommande chaudement ! – F.