Les oiseaux d’hiver au Japon : la grue tsuru (2/3)

Si le chidori (voir le premier article de cette trilogie) nous invitait à regarder vers la mer et l’horizon, la grue nous oblige à lever les yeux. Grande, blanche, majestueuse, elle traverse le ciel glacé en silence, émouvant les cœurs en profondeur.

Deuxième volet de cette série consacrée aux oiseaux d’hiver dans la culture japonaise, cet article est dédié à la grue tsuru (鶴), une des figures sans doute les plus intéressantes de l’art japonais.

Tsuru 鶴 – la grue de longévité et de lumière

Haute sur pattes, élancée, presque irréelle lorsqu’elle se détache sur la neige, la grue incarne la noblesse, la longévité et l’espérance. Oiseau d’hiver par excellence dans certaines régions du Japon, elle traverse la poésie, les arts décoratifs et la peinture avec une aura singulière.

Tsuji Kakô, “Grues” (Tsuru_zu), paravent à 6 panneaux, vers 1908, encre et couleurs sur papier, Honolulu Museum of Art.

La grue du Japon : un oiseau d’exception

Le terme tsuru (鶴) désigne plusieurs espèces de grues présentes au Japon, mais c’est avant tout la grue à couronne rouge, ou tanchō (丹頂, Grus japonensis), qui occupe la place symbolique centrale dans la culture japonaise. On la reconnaît à son plumage blanc éclatant, ses rémiges noires et, surtout, cette tache rouge vif posée sur le sommet du crâne, qui lui a valu son nom : tancho, littéralement « couronne rouge ».¹

Avec une envergure pouvant atteindre deux mètres quarante pour un poids d’environ dix kilos, la grue du Japon est l’un des plus grands oiseaux volants du monde. Elle niche principalement dans les zones humides d’Hokkaido, l’île la plus septentrionale de l’archipel, où elle passe les mois d’hiver dans les marais gelés du parc national de Kushiro-Shitsugen. C’est là, dans le silence cristallin de janvier et février, que se déroule sa célèbre danse nuptiale : sauts élégants, ailes déployées, cris qui portent loin dans la brume, dans une chorégraphie millénaire que les deux partenaires répètent, fidèlement, année après année, car la grue tanchō choisit son partenaire pour la vie.²

Quasiment disparue à la fin du XIXe siècle en raison de la chasse intensive et de la destruction de son habitat, la grue tanchō était considérée comme éteinte au Japon lorsqu’en 1924, à la surprise générale, une dizaine de couples furent redécouverts dans les plaines marécageuses de Tsurui, à l’est d’Hokkaido. L’espèce fut classée Monument naturel en 1935, puis Monument naturel spécial en 1952, entraînant progressivement la mise en place de mesures de protection.³

C’est dans ce contexte qu’un agriculteur du village de Tsurui, Yoshitaka Ito (1919-2000), commença dans les années 1960 à nourrir les grues qui hivernaient dans ses champs de maïs enneigés.⁴ Désigné officiellement « gardien des tanchō » par le gouvernement d’Hokkaido, il consacra toute sa vie à cette mission. En 1987, la Wild Bird Society of Japan créa sur ses terres le sanctuaire Tsurui-Ito, aujourd’hui l’un des hauts lieux mondiaux de la conservation de l’espèce, où jusqu’à 300 grues viennent s’alimenter chaque hiver.⁵

La dépendance de la grue à ce nourrissage humain hivernal reste aujourd’hui considérable : lorsque les marais gèlent, les grues peinent à trouver les poissons, libellules, escargots et grenouilles dont elles se nourrissent naturellement. Sans ce soutien, on estime que la population perdrait 90 % de ses individus.⁶ Contrairement à d’autres espèces de grues, la tanchō d’Hokkaido ne migre pas : elle passe l’hiver sur place, cherchant refuge la nuit dans le lit des rivières encore libres de glace, à l’abri des prédateurs.

Symbolique de la grue tsuru : entre grâce et éternité

Dans la culture japonaise, la grue est infiniment plus qu’un oiseau. Elle est une figure symbolique et familière, habitée d’un sens profond qui traverse toutes les époques.

Sa première et plus ancienne signification est celle de la longévité. La légende dit que la grue vit mille ans et cette durée symbolique est fondamentale dans une culture où la persévérance du vivant face au temps est une valeur importante. Associée à la tortue, autre animal millénaire, la grue forme avec elle un duo iconographique de bon augure omniprésent dans les arts décoratifs : on les retrouve ensemble sur les laques, les soieries, les céramiques et les porcelaines, comme une double promesse de longévité et de stabilité.¹ C’est d’ailleurs cette symbolique qui explique la présence de la grue tanchō sur les anciens billets de mille yens japonais : elle y incarnait la prospérité et la bonne fortune (à noté que le design des billets japonais ont été en 2024 et que le grue ne figure pas sur les nouveaux billets).²

À la longévité s’ajoute une dimension d’élévation spirituelle. Dans la cosmologie sino-japonaise influencée par le taoïsme, la grue est l’oiseau qui transporte les immortels vers le ciel.³ Elle est messagère entre le monde terrestre et le monde céleste. Son vol lent et majestueux, sa silhouette blanche dans un ciel d’hiver, évoquent naturellement une présence au-delà du commun.

La grue est aussi un puissant symbole d’union et de fidélité conjugale. Sa danse nuptiale, si spectaculaire, et sa monogamie légendaire en ont fait l’emblème du couple uni par un lien indéfectible. On la retrouve ainsi en abondance dans les kimonos de mariée : les somptueux uchikake (打ち掛け), ces manteaux de cérémonie brodés qui constituent le vêtement le plus formel du mariage traditionnel japonais, sont souvent ornés de grues aux ailes déployées sur fond blanc ou rouge. Revêtir un kimono aux grues le jour de son mariage, c’est s’envelopper dans un vœu de protection, de durée et de félicité.⁴

La grue dans la poésie et le haiku

La tsuru est un kigo d’hiver, en particulier lorsqu’elle est associée aux paysages enneigés. Dans la poésie classique, elle peut symboliser l’isolement majestueux, mais aussi l’attente et la fidélité.

Contrairement au chidori, dont le cri souligne la solitude du rivage, la grue est souvent décrite visuellement : sa blancheur, la courbe de son cou, l’étendue de ses ailes. Elle se détache du paysage comme une calligraphie vivante sur la page blanche de l’hiver.

Dans le haiku, sa présence suffit à évoquer un espace vaste et silencieux, mais aussi le froid, les marais gelés et la majesté tranquille d’un monde endormi sous la neige. Une seule grue dans la neige peut illuminer un paysage entier.

Quelques haiku tirés de la tradition classique illustrent cette présence poétique :

汐越や鶴はぎぬれて海涼し

shiokoshi ya tsuru ha ginurete umi suzushi

Shiokoshi —
les pattes humides d’une grue
dans la fraîcheur de la mer¹

Matsuo Bashō (1644-1694)

らうそくの涙氷るや夜の鶴

rausoko no namida kôru ya yoru no tsuru

gèlent

les larmes de la bougie

grue dans la nuit²

Yosa Buson (1716-1784)

鶴のあそび雲井にかなふ初日哉

tsuru no asobi kumo i ni kanafu hatsuhi kana

batifolent les grues

jusque dans le ciel

premier soleil de l’année³

Fukuda Chiyo-ni (1703-1775)

月光に舞ひすむ鶴を軒高く

gekkō ni mai sumu tsuru wo noki takaku

dans la lumière de lune

la grue finit sa danse

haut sous l’auvent⁴

Sugita Hisajo (1890-1946)

CHIPOT, n°526, p.220.
https://www.haiku-kigo-ichiran.net/tsuru ligne 16 (pour le poème original, traduction LJAA).
COLLET, Chiyo ni, p.10.
https://www.haiku-kigo-ichiran.net/tsuru/2/ ligne 164 (pour le poème original, traduction LJAA).

La grue dans les arts japonais

La présence de la grue dans les arts visuels japonais est aussi ancienne que riche. Des paravents de la période Heian aux peintures sur soie de l’époque Edo, en passant par les estampes ukiyo-e et les œuvres décoratives Rinpa (琳派) (courant décoratif fondé au XVIIe siècle, dont Kōrin est la figure tutélaire), le motif de la grue traverse les siècles en se renouvelant sans cesse — tour à tour naturaliste, décorative ou symbolique.

Voici cinq regards d’artistes mettant la grue à l’honneur :

Ogata Korin, “Grues”, paravent droit à 6 panneaux, période Edo, encre en or sur papier. Freer Gallery of Art.

Ogata Kōrin

Ogata Kōrin (1658–1716) est la figure centrale de l’école Rinpa (琳派)¹, ce courant esthétique fondé au début du XVIIe siècle par Kōetsu et Sōtatsu, auquel Kôrin donnera un nouveau souffle et un nom tiré de son propre patronyme.² Né dans une famille de riches marchands de textiles de Kyoto, Kōrin baigne dès l’enfance dans un univers de formes et de couleurs raffinées.³ Son art se caractérise par des compositions audacieuses, une palette intense, l’usage somptueux de l’or et de l’argent, et une stylisation poussée des motifs naturels qui les transforme en signes presque abstraits.

Dans ses deux paravents aux Grues, conservés aux Freer and Sackler Galleries de Washington, Kōrin déploie plusieurs silhouettes de grues sur un fond d’or et d’argent. Les oiseaux, simplifiés à l’extrême, ne sont plus tout à fait des êtres naturels : ils sont devenus des motifs décoratifs souverains, des formes épurées qui jouent avec l’espace doré comme des idéogrammes posés sur le vide. Les plumages noirs et blancs se détachent avec une netteté absolue sur le fond précieux, créant un rythme visuel à la fois serein et somptueux. La répétition des formes crée une cadence visuelle qui transforme l’oiseau en motif. Chez Kōrin, la grue n’est pas observée, elle est célébrée. La nature n’est plus ici source d’étude ou d’émotion contemplative, mais prétexte à une composition décorative d’une beauté intemporelle.

Cette œuvre témoigne de toute la puissance du style Rinpa : en stylisant la grue, Kōrin la magnifie. Elle devient plus vraie que nature, ou plutôt, elle accède à une vérité autre, purement formelle et spirituelle.

Diaporama ci-dessous : Ogata Korin, “Grues”, paravent gauche et droit à 6 panneaux chacun, période Edo, encre en or sur papier. Freer Gallery of Art.

Cette synthèse entre symbole et ornement influencera durablement les artistes Rinpa, jusqu’à Kamisaka Sekka au début du XXe siècle (voir ci-dessous).

Rinpa (琳派), littéralement « école de Kōrin » : courant esthétique fondé au début du XVIIe siècle par Hon’ami Kōetsu et Tawaraya Sōtatsu, caractérisé par des compositions décoratives audacieuses, un usage somptueux de l’or et de l’argent, et une stylisation poussée des motifs tirés de la nature et de la littérature classique.
MURASE, p.216.
Ibid, p.263.

Itô Jakuchu, “Grues”, panneaux 1 et 2, 18e siècle, encre sur papier, Freer Gallery of Art.

Itō Jakuchū

Itō Jakuchū (1716–1800) est sans doute l’une des personnalités les plus singulières de toute la peinture japonaise. Épicier de Kyoto par origine, peintre autodidacte par vocation, fervent bouddhiste par conviction, il ne se consacre entièrement à la peinture qu’à l’âge de quarante ans. Il ne se réclame d’aucune école et crée un style absolument personnel, qui tient à la fois du naturalisme le plus minutieux et d’une luxuriance quasi mystique.¹ Il est également connu comme l’aîné des “Trois excentriques”² dont l’art fut caractérisé comme “art dissident sans précédent dans l’histoire de la peinture japonaise”.³

Son œuvre maîtresse, Les Images du Royaume coloré des êtres vivants (Dōshoku sai-e), est un ensemble de trente grands rouleaux sur soie offert au temple Shōkoku-ji de Kyoto, réalisé entre 1757 et 1766. Jakuchū y représente avec une précision vertigineuse la faune et la flore de son univers : coqs, paons, poissons, phénix, pruniers en fleurs — et bien sûr, des grues.⁴

Dans ses panneaux Grues, les oiseaux se déploient parmi les branches fleuries avec une élégance qui touche au sacré. Chaque plume est rendue individuellement, chaque détail est une méditation. La technique dite urazaishiki 裏在式 (application de pigments sur l’envers de la soie pour moduler les couleurs de l’endroit) donne aux plumages une profondeur et une luminosité irréelles.

Chez Jakuchū, les oiseaux semblent habités, dotés chacun d’une personnalité propre. Regarder une grue, c’est regarder le vivant dans son mystère le plus intime.

MURASE, p.340.
Idem.
Ibid, p.331.
Ibid, p.341

Maruyama Okyo, “Grues”, paravent à 6 panneaux, *période Anei, 1772*. encre, couleurs et feuilles d’or sur papier, Los Angeles County Museum of Art.

Maruyama Ōkyo

Maruyama Ōkyo (1733–1795), contemporain d’Itô, incarne une tout autre démarche. Fondateur de l’école Maruyama (円山派, Maruyma-ha) et figure majeure du XVIIIe siècle, il est considéré comme l’introducteur du réalisme dans la peinture japonaise. Issu d’une famille modeste de la région de Kyoto, il étudie l’école Kanō avant d’élaborer son propre style, influencé par la peinture chinoise des Qing et par les gravures hollandaises qui lui révèlent les ressources de la perspective occidentale.¹

Sa méthode est fondée sur l’observation directe de la nature.² Contrairement à ses contemporains qui travaillent à partir de modèles picturaux hérités, Ōkyo dessine d’après nature — il observe les animaux, les plantes, les effets de lumière avec une attention quasi scientifique.

Dans ce paravent à six panneaux, Ōkyo rassemble sept grues sur un fond entièrement recouvert de feuilles d’or. Chacune est saisie dans une posture différente — l’une se dresse, le cou tendu vers le ciel ; une autre incline la tête pour lisser ses plumes ; deux semblent se faire face dans un dialogue silencieux ; la dernière, isolée sur le panneau de droite, se recourbe sur elle-même dans un mouvement d’une grâce intime. Ce n’est pas une composition symbolique ou décorative : c’est une observation vivante, un instantané de la vie d’un groupe de grues rendu avec une précision anatomique saisissante — chaque plume individualisée, chaque articulation juste, chaque couronne rouge posée avec exactitude.

Et pourtant, le fond d’or abstrait soustrait les oiseaux à tout contexte naturel précis. Pas de sol, pas d’eau, pas de ciel : les grues existent dans un espace hors du temps, ce qui leur confère, malgré (ou grâce à) leur réalisme, une présence presque sacrée. C’est toute la singularité d’Ōkyo : ancrer l’observation la plus rigoureuse dans une mise en scène qui transcende le simple naturalisme.

Ōkyo pratique volontiers la technique dite « sans os » (没骨 mokotsu), où le contour disparaît au profit de lavis d’encre modulés, créant des effets de volume et de matière d’une grande douceur.³ Dans ses représentations de grues, cette technique donne aux plumes une légèreté presque impalpable — comme si l’oiseau était fait d’air et de lumière hivernale.

MURASE, p.327.
Ibid, p.330.
https://www.aisf.or.jp/~jaanus/deta/m/mokkotsu.htm

Katsushika Hokusai

Né à Edo (aujourd’hui Tokyo) en 1760, Katsushika Hokusai (1760-1849) est sans doute l’artiste japonais le plus connu dans le monde occidental. Issu d’une famille modeste, il entre à 19 ans dans l’atelier de l’artiste d’estampe Katsukawa Shunshō (1726-1792), spécialisé dans les portraits d’acteurs.¹ Il s’en émancipe rapidement pour explorer de manière quasi autodidacte toutes les écoles picturales de son temps, changeant de nom d’artiste au fil de ses évolutions stylistiques (on lui en compte plus de cent vingt au total, dont six marquent les grandes périodes de son œuvre). Prolifique jusqu’à l’obsession, il aurait produit plus de trente mille œuvres au cours de sa vie.²

On associe souvent Hokusai à la grande vague de Kanagawa, aux paysages monumentaux, au mont Fuji sous toutes ses formes, mais l’artiste, dont l’œuvre colossale embrasse tous les genres, a également consacré une énergie considérable à la peinture d’oiseaux.

Dans l’estampe Deux grues sur un pin enneigé, Hokusai place deux grues blanches juchées sur les branches enneigées d’un pin — association doublement symbolique, puisque le pin est lui aussi un emblème de longévité dans la culture japonaise. Les deux oiseaux se détachent sur un ciel hivernal d’un gris plombé, rendu par un dégradé subtil. La blancheur de la neige contraste avec le vert intense des aiguilles et le rouge de la couronne de la grue : c’est un trio chromatique d’une sobriété et d’une force remarquables. La robe des grues qu’on attendait blanche est de façon surprenante beaucoup plus détaillée et polychrome, comme pour attirer notre regard sur les oiseaux. Dégradé délicat de bleu, orange doux, des couleurs qui viennent agréablement compléter une palette hivernale sobre, mais lumineuse.

Hokusai représente les grues avec une précision quasi scientifique qui rappelle l’ambition naturaliste d’Ōkyo, mais il lui ajoute une dimension universelle : les oiseaux ne sont pas seulement deux êtres vivants dans un paysage d’hiver. Ils sont les gardiens symboliques de la nouvelle année qui vient (cette association symbolique est fortement utilisée dans les décorations et ustensiles en vue du Nouvel An notamment) : oiseaux de longévité posés sur un arbre immortel, image d’espoir et de bon augure au cœur du froid.

https://www.universalis.fr/encyclopedie/hokusai/
HILLIER, p.19-20.

Kamisaka Sekka .

Né à Kyoto en 1866 dans une famille de samouraïs, Kamisaka Sekka (1866-1942) entre à seize ans dans l’atelier de Zuigen Suzuki (1847-1901), où il se forme à la peinture de l’école Shijō (四条派) au style lyrique et naturaliste. Il étudie ensuite sous Kôkei Kishi (1840-1922), artiste et enseignant à l’Ecole municipale des beaux-arts de Kyôto dès 1891. Il l’initiera notamment Sekka au style décoratif de l’école Rinpa (voir plus haut Ogata Kôrin). ¹ C’est au contact de cette tradition picturale que Sekka trouve sa voie véritable, en héritant de des grandes figures de Rinpa — Kōetsu, Sōtatsu, Kōrin (voir ci-dessus) — leur sens du décor somptueux et de la nature portée à l’épure.

En 1900, il reçoit une médaille d’or pour son œuvre exposée lors de l’Exposition universelle de Paris.² De retour à Kyoto, il publie entre 1909 et 1910 son chef-d’œuvre, le Momoyogusa (百々世草, « Les Herbes de l’Éternité »), recueil de 60 planches en couleurs grand format (30 x 22 cm) qui synthétise avec éclat la tradition japonaise et la modernité naissante des motifs décoratifs.³

Dans les planches consacrées aux grues du Momoyogusa, Sekka pousse l’esthétique Rinpa à un point de modernité radicale. Dans cette œuvre, la grue est stylisée avec une grande sobriété. Les aplats de couleur, la simplification des formes et l’organisation rythmique de l’espace traduisent une volonté de synthèse. Sekka ne cherche pas à reproduire la nature fidèlement ; il en capte l’essence décorative. La grue devient un motif intemporel, à la fois héritier d’une longue tradition et pleinement inscrit dans la modernité artistique.

Les grues y sont représentées avec une extrême économie de moyens : quelques courbes, des aplats de blanc, des accents d’or et de noir — et pourtant, l’oiseau est là, pleinement présent, dans toute sa majesté. La stylisation n’appauvrit pas : elle concentre. Elle distille l’essence même de la grue : sa grâce, son élévation, sa blancheur, jusqu’à l’épure absolue. Associée au pin (comme chez Hokusai), cette œuvre symbolise également un vœu de bon augure, de force, de prospérité et de longévité.

Sekka hérite directement de Kōrin et de Sōtatsu, dont il est spirituellement le successeur au sein de la tradition Rinpa, mais sa formation à Kyoto à la fin de l’ère Meiji, au contact de l’art et des influences occidentales naissantes, lui confère une sensibilité visuelle résolument moderne. Ses grues parlent à la fois à la mémoire de la tradition millénaire et à l’œil contemporain. Elles sont intemporelles.

MOSCATIELLO, p.9.
Ibid, p.14.
Ibid, p.16-17.

Boite en laque noire avec poudre d’or et d’argent (hiramaki-e) avec motifs de grues et de roseaux (葦鶴蒔絵重箱), 18e, Metropolitan Museum of Art (MET DP282838).

La grue dans les arts décoratifs et la culture populaire

La tsuru dépasse largement le cadre de la peinture. Elle est omniprésente dans les kimonos de cérémonie, les textiles, les laques, les céramiques et les motifs de Nouvel An. Son image accompagne les moments importants de la vie.

Elle est également devenue un symbole universel à travers l’origami. La grue pliée, rendue mondialement célèbre par l’histoire de Sadako Sasaki, incarne aujourd’hui un message de paix et d’espoir. Plier mille grues (senbazuru) revient à formuler un vœu de guérison ou de longévité.

Le senbazuru : mille grues pour un vœu

La grue est aussi au cœur de l’une des traditions populaires les plus connues du Japon : le senbazuru (千羽鶴), littéralement « mille grues ». Cette pratique est ancienne, mais le premier témoignage écrit que nous en ayons remonte à la période Edo (1603-1868) : un livre intitulé Hiden Senbazuru Orikata (« Le secret du pliage de mille grues »), publié en 1797, en donne les premières instructions écrites connues — tout en laissant entendre que la coutume existait déjà depuis longtemps.¹ À l’origine, plier mille grues était un acte accompli pour souhaiter une longue vie à soi-même ou à un proche. Au fil du temps, la tradition s’est élargie à d’autres vœux : guérison d’une maladie, bonheur conjugal, réussite, ou paix dans le monde. Offertes à un être cher malade ou données en cadeau de mariage, ces guirlandes de grues en papier constituent l’un des gestes symboliques les plus forts de la culture japonais.

Cette tradition a pris, au XXe siècle, une dimension universelle grâce à l’histoire de Sadako Sasaki (1943-1955), jeune fille d’Hiroshima exposée aux radiations de la bombe atomique à l’âge de deux ans. Hospitalisée pour une leucémie en 1955, Sadako entreprit de plier mille grues, espérant que les dieux lui accordent la guérison. Elle mourut à douze ans, après avoir confectionné 644 grues selon les sources les plus couramment citées — ses camarades de classe plièrent les grues manquantes en son honneur. En 1958, une statue de Sadako tenant une grue dorée fut érigée dans le Parc de la Paix d’Hiroshima.² À sa base, on peut lire:

Ceci est notre cri. Ceci est notre prière. Pour construire la paix dans le monde.

Depuis, la grue en papier est devenue dans le monde entier un symbole de paix et d’espoir, et des milliers de senbazuru sont envoyés chaque année à Hiroshima en mémoire des victimes.³

Une présence lumineuse au cœur de l’hiver

La grue incarne une certaine verticalité : elle s’élève, elle transcende, elle relie la terre et le ciel. Oiseau de l’hiver et de l’éternité, du mariage et de la paix, de la forêt d’Hokkaido et du papier plié entre les doigts d’une enfant, elle traverse la culture japonaise dans toute sa profondeur. Elle est à la fois présence naturelle (majestueuse et concrète dans les marais gelés du nord) et figure métaphysique (messagère des immortels, gardienne de l’éternité).

Dans les arts visuels, sa beauté formelle — ce blanc éclatant, ce rouge discret, ces ailes qui couvrent plusieurs mètres dans leur envol — en a fait un sujet inépuisable. Des paravents dorés aux rouleaux sur soie, des estampes populaires aux compositions plus modernes de Sekka, chaque artiste a trouvé dans la grue un miroir de ses propres aspirations : naturalisme, décoratif, spiritualité, émotion pure.

Le prochain et dernier volet de cette série nous tournera vers un oiseau bien différent, plus humble et plus méconnu : l’huîtrier du Japon (miyakodori), oiseau du souvenir et de la nostalgie poétique.

……………………………………………

Sources

CHIPOT Dominique, KEMMOKU Makoto, Bashô, Seigneur ermite, l’intégrale des haïkus, édition La Table Ronde, 2012.
COLLET Hervé, CHENG Wing fun, Chiyo ni, bonzesse au jardin nu, éditions Moundarren, 2005.
HILLIER Jack, The Art of Hokusai in Book Illustration, Sotheby Parke Bernet Publications, University of California Press, 1980.
KERVERN Alain, Le vent du nord, Grand Almanach Poétique japonais, Livre V, L’Hiver, Éditions Folle Avoine, 1994.
MOSCATIELLO Manuela (présenté et traduit par), Kamisaka Sekka, Les Herbes de l’Éternité, éditions Philippe Picquier, 2013.
MURASE Mieko, L’art du Japon, Encyclopédie d’aujourd’hui, La Pochotèque, Librairie Générale Française, 1996.
HILLIER Jack, The Art of Hokusai in Book Illustration, Sotheby Parke Bernet Publications, University of California Press, 1980.
Exposition « Jakuchū, Le royaume coloré des êtres vivants », Petit Palais, Paris, 2018.

Sources en ligne, consultées le 15 mars 2026 :

(c) Le Japon avec Andrea

25 février 202626 février 2026

Haiku | Bingo de Printemps

Est-ce que tu le sens?

Ce soleil, les petites pousses qui apparaissent, les premières fleurs, les oiseaux qui chantent?

La nature commence à sortir de sa torpeur de l’hiver et tout bouge de manière presque imperceptible. Pour accompagner ce mouvement, je te propose une expérience d’écriture sensible et progressive :

Le Bingo de Printemps, un rendez-vous créatif pour observer, écrire, ralentir… et laisser la saison nourrir tes poèmes.

Le principe du Bingo

Le Bingo de Printemps repose sur une grille de kigo. A travers ces mot de saison, chaque case est une invitation :

à lire
à approfondir
à méditer
et enfin à écrire

Tu avances à ton rythme. J’ai pensé le bingo sur une période de deux mois (du 1er mars au 30 avril) pour ne pas être stressé par l’injonction d’écrire et de tenir le rythme, mais plus pour laisser infuser les mots et leur univers dans ta poésie.

Tu peux :

suivre l’ordre de la grille,
écrire quand l’inspiration vient,
compléter une ligne,
ou simplement picorer les thèmes qui t’appellent.

Il ne s’agit pas de performance, mais d’attention et de plaisir d’écrire en prenant son temps.

Comment participer ?

1. T’inscrire pour recevoir la grille

Remplis le formulaire ci-dessus pour t’inscrire et tu recevras :

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les options payantes pour aller plus loin (explications détaillée de chaque kigo, exemples, astuces d’écriture et kukai de clôture)
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La participation en ligne est libre et bienveillante. Aucun niveau n’est requis.

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b. Le Compagnon de Voyage (35 CHF)

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Tarif : 35 CHF

Accès : à vie (tant que le contenu est pertinent dans mon écosystème d’offre)

Cette formule inclut :

l’accès complet à l’espace pédagogique (sur ma plateforme de formationen ligne)
des éclairages plus approfondis de chaque kigo
des rappels sur le kigo, la césure, l’observation
des exemples de haiku utilisant les kigo de la grille
une liste de kigo bonus plutôt “avancés” pour challenger ta compréhension des mots de saison

Et surtout…

✨ L’accès au kukai de clôture fin avril – début mai (date à définir) !

Le kukai est réservé aux membres du Compagnon de Voyage afin de garantir :

un cadre respectueux
une qualité d’échange
un engagement réel des participants

il est réservé aux personnes qui ont choisi de s’investir dans la formule accompagnée.

Ce n’est pas une question de niveau, mais bien une question d’implication.

Le kukai demande d’avoir écrit ses haiku en suivant la grille, d’avoir travaillé ses poèmes pour qu’ils te sembles “justes”, mais aussi d’accepter le regard des autres et d’oser comprendre le haiku à travers le prisme de l’échange et de la critique constructive. Cette réunion de poètes s’adresse à celles et ceux qui souhaitent vraiment progresser et investir du temps dans la pratique poétique du haiku.

Conditions de participation au Kukai

En envoyant ton ou tes haïkus dans le cadre de ce kukai :

tu autorises leur lecture et diffusion auprès des participants pendant l’événement ;
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le partage par les autres participants (autre que le repartage des post de Le Japon avec Andrea) doivent faire l’objet d’une autorisation de chaque auteur respectif.

Les textes resteront bien entendu associés aux droits de leur auteur.
Cette publication a pour seul objectif de valoriser ton travail et de partager la richesse des écritures du Bingo.

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Pour celles et ceux qui veulent aller encore plus loin, le Bundle comprend :

Tarif : 75 CHF

Accès : à vie (tant que le contenu est pertinent dans mon écosystème d’offre)

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Tarif : 150 CHF

Accès : 1 rendez-vous en ligne de 45 minutes entre le 22 avril et le 12 juin 2026 (jour et horaire à définir ensemble après inscription).

Cette option te permet de m’envoyer 1-3 haiku écrits pendant le Bingo de Printemps afin de recevoir lors d’une session sur Zoom de 45 minutes :

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Pourquoi participer au Bingo ?

Parce que le printemps passe (trop) vite.
Parce que ce bingo t’aide à prendre ce temps nécessaire de l’observation attentive et émotive de l’instant d’où naissent les haiku
Parce qu’écrire régulièrement transforme le regard et t’aide à trouver ta voix poétique
Parce qu’un cadre définis (1 grille, 30 mots de saison, 2 mois pour écrire, 1 rdv de clôture) aide à tenir tes objectifs d’écriture
Parce que ces moments de partages sont uniques et précieux

Une saison pour affiner ton écriture

Le Bingo de Printemps n’est pas un défi de productivité, mais plutôt une invitation à ralentir, observer, ressentir et écrire avec justesse.

Si tu as envie d’habiter cette saison autrement, je serai heureuse de t’accompagner.

Inscris-toi via le formulaire ci-dessus et rejoins l’aventure.

À très bientôt dans la lumière du printemps,

Andrea

Moi c’est Andrea, médiatrice culturelle indépendante, aquarelliste et carnettiste de voyage.

J’enseigne l’aquarelle, le dessin et la carnet de voyage, mais aussi la subtilité du haiku japonais et la langue japonaise.

Bienvenu dans mon univers créatif !

22 février 202622 février 2026

2026 : l’année où tu remplis enfin ton carnet de voyage

Tu as peut-être déjà un carnet qui t’attend sur une étagère… un carnet commencé, abandonné ou trop précieux pour être utilisé…

Et si 2026 était l’année où tu décidais simplement de te lancer ?

Voyager autrement : ralentir, observer, dessiner

Un voyage carnet de voyage, ce n’est pas un circuit touristique classique.
Ce n’est pas courir d’un monument à l’autre avec un appareil photo.

C’est marcher.
S’arrêter.
Choisir un banc, un coin de trottoir, un café.
Sortir son carnet.
Regarder vraiment.

Attraper une lumière, une ambiance, une couleur.

Dessiner une façade à Amsterdam.
Peindre des narcisses au-dessus du Léman.
Croquer une rue tranquille à St-Gall.

Le carnet de voyage transforme ta manière de voyager. Il te rend attentif·ve, présent·e, curieux·se. Il t’invite à vivre l’instant présent et à être profondément vivant·e.

Je découvre le programme de voyages 2026

“Je ne sais pas dessiner”

C’est la phrase que j’entends le plus souvent et elle en dit long sur les blocages profonds induits par notre éducation et nos fausses croyances.

Tout d’abord, qui a dit qu’il fallait savoir dessiner pour tenir un carnet de voyage?

Certains carnets sont 90% de texte et 10% de photo, il n’y a aucun dessin. Ca rassure, hein?Evidemment, dans le cas d’un carnet illustré, c’est toi qui mets la limite de ce que tu te sens capable de réaliser, mais je t’invite à garder en tête qu’il n’y a qu’une seule vraie règle : faire le premier pas, commencer !

Une fois lancé.e, c’est la pratique qui va faire la différence. Plus tu sais ce que tu aimes, ce que tu veux faire sentir, plus tu sais ce qu’il te faut travailler et c’est là que les résultats se voient.

Mes voyages créatifs ne sont pas faits pour les débutant·es complet·es, mais ils ne sont pas réservés aux artistes professionnels non plus. Ils sont faits pour les personnes qui ont déjà une pratique, même simple (si tu as fait un cours d’initiation aquarelle avec moi par exemple), et qui ont envie d’aller plus loin, et d’inclure une pratique créative à la notion de voyage. L’idée est que tu ne sois pas complétement perdu.e en plein air (ce qui est déjà un défi en soi) et dans un groupe où mon attention va être partagée entre les différents participants.

Ce que je propose, ce n’est pas de produire des œuvres parfaites, mais bien d’oser !

Oser prendre un temps pour soi.

Oser dessiner dehors.

Oser l’aquarelle.

Oser simplifier une façade ou un paysage.

Oser écrire aussi.
Oser rater une page… et en tourner une autre.

En petit groupe, je t’accompagne. Je te donne des pistes, des outils, des angles d’observation, mais je ne te tiens pas non plus par la main à chaque instant. Un voyage créatif, c’est aussi apprendre à faire confiance à ton regard et à oser choisir ce qui te convient.

Des séjours artistiques en Suisse et en Europe

Sous réserve de modifications. Les pages produits de chaque voyage sont mis à jour régulièrement sur la boutique en ligne.

En 2026, je t’emmène à :

Amsterdam

13-17 avril 2026
Inscription : du lundi 09 février au dimanche 15 mars, 23h59

Je m’inscris

Les Narcisses (Vevey-Montreux)

21-22 mai 2026**
Inscription : du lundi 09 février au dimanche 26 avril, 23h59

Je m’inscris

Paysages d’Appenzell (Saint-Gall & Appenzell)

06-08 juin 2026**
Inscription : Du lundi 1er mars au dimanche 10 mai, 23h59

Montreux, entre lac et montagne (édition 2026)

06-08 aout 2026**
Inscription : du lundi 04 mai au dimanche 12 juillet, 23h59

D’une rive à l’autre, Evian & Lausanne

11-14 aôut 2026
Inscription : du lundi 04 mai au dimanche 19 juillet, 23h59

Côte d’Azur – Carnet et bord de mer

Nice | Antibes | Cannes | île Saint-Honorat

31 août au 05 septembre 2026
Délai d’inscription : du lundi 04 mai au dimanche 09 août, 23h59

Côte d’Azur – Parfums & couleurs

Cannes | île Sainte-Marguerite | Grasse | Saint-Paul de Vence | Fréjus

07-12 septembre 2026
Délai d’inscription : du lundi 04 mai au dimanche 09 août, 23h59

**Options durée disponible (choisir de venir 1 ou 2 jours sur 3 par exemple).

Chaque destination est choisie pour sa richesse visuelle, sa culture ou sa lumière.

Chaque programme est pensé pour alterner :
– séances encadrées
– temps libres
– marche et pauses
– visites accompagnées ou non

Il est important pour moi que tu restes actif·ve dans ton voyage.

Tu choisis ton hébergement.
Tu organises ton transport.

Pourquoi ? Afin de garantir un voyage qui te ressemble, d’aller au plus près de tes besoins et de ton budget. J’ai envie que tu te sentes libres de choisir les options qui te conviennent.

Pour des destinations hors Europe (Japon en 2027 par exemple), je ferai appel à une agence de voyage pour organiser transports et hébergement, mais ça a un coût. Il m’a semblé plus judicieux de laisser l’organisation pratique des voyages en Suisse et en Europe aux participants pour que tu sois libre. Je reste bien sûr à ta disposition pour des conseils ou des questions pratiques concernant l’organisation de ton voyage.

De mon côté, je crée le cadre artistique et m’assure que tout roule durant les moments ensemble.

Ce que tu vas vraiment ramener

Pas seulement un carnet rempli d’images et de mots, mais également :

une nouvelle confiance dans ton trait
une relation plus libre à la couleur
des souvenirs vivants
une autre manière de regarder le monde

Et souvent, tu repars avec une énergie créative qui continue bien après le retour.

Beaucoup de participant·es me disent que le voyage change leur pratique sur le long terme, qu’ils-elles osent davantage, qu’ils-elles se sentent plus légitimes. Et ça, c’est précieux.

Est-ce que c’est pour toi ?

Oui, si :

tu as déjà une base en dessin ou aquarelle (même très simple)
tu es prêt·e à marcher et dessiner en extérieur
tu aimes les petits groupes
tu veux un cadre, mais pas un voyage “tout organisé”

Non, si :

tu cherches un séjour clé en main sans autonomie
tu cherches un cours pour débuter totalement.

2026 : ton année pour oser

On attend souvent “le bon moment”.

Quand j’aurai plus de temps.
Quand je serai meilleur·e.
Quand ce sera plus simple.

Mais le bon moment, c’est MAINTENANT !

Les voyages carnet de voyage 2026 sont en ligne.
Les groupes sont volontairement limités pour garantir un accompagnement de qualité.

Si l’idée te fait un peu peur et beaucoup envie, c’est probablement bon signe.

Je serais heureuse de t’emmener avec moi dans cette fabuleuse aventure du carnet de voyage. Si tu as des questions n’hésite pas à m’écrire : lejaponavecandrea@gmail.com

Pour plus d’infos sur les voyages 2026 (conditions, prix, programme)

Contact

Andrea Villat

Médiatrice culturelle indépendante
Dessin, aquarelle et carnet de voyage
Poète haiku
Enseignante de japonais

lejaponavecandrea@gmail.com

077 471 40 85

10 février 202621 février 2026

Les oiseaux d’hiver au Japon : le chidori, pluviers du rivage (1/3)

Dans la culture japonaise, l’hiver n’est pas seulement une saison de froid et de dépouillement. C’est aussi un temps de silence, d’écoute et d’attention aux signes discrets de la nature. Parmi ces signes, les oiseaux d’hiver occupent une place essentielle dans la poésie et les arts visuels. Cette série d’articles propose d’explorer trois oiseaux emblématiques de la saison froide : le pluvier (chidori), la grue (tsuru) et l’huîtrier du Japon (miyakodori). Ce premier volet est consacré au chidori, petit oiseau du rivage, modeste en apparence mais d’une richesse symbolique remarquable.

Le chidori, un oiseau du rivage

Au Japon, le terme 千鳥 (chidori) désigne plusieurs espèces de petits échassiers vivant près de l’eau : plages, estuaires, rivières ou zones humides. Leur présence est particulièrement marquée en automne et en hiver, ce qui explique leur rôle de kigo hivernal dans la poésie classique.

De petite taille, au corps nerveux, le chidori se déplace rapidement sur le sable, s’arrête, repart, puis s’envole soudainement dans un vol vif et ondulant. Observé en groupe ou isolé, il donne une impression de mouvement incessant, presque désordonné. Le kanji 千 (sen, mille) évoque d’ailleurs cette idée de multiplicité, d’oiseaux innombrables survolant le rivage battu par le vent.

Utagawa Utamaro, “Province de Mutsu, Rivière Noda” (Mutsuken no Nodagawa), estampe, vers 1790-1804, Maidstone Museum and Art Gallery, Kent, UK.

Symbolique du chidori : solitude, passage et persévérance

Parce qu’il vit à la frontière entre la terre et l’eau, le chidori est avant tout un oiseau de l’entre-deux. Dans la littérature japonaise, il apparaît souvent sur des plages désertes, au crépuscule ou sous un ciel d’hiver. Sa silhouette minuscule dans un vaste paysage marin accentue un sentiment de solitude paisible, parfois teintée de mélancolie.

Le cri aigu du chidori, perçant le silence hivernal, devient un motif sonore récurrent dans la poésie. Il ne rompt pas le calme, mais le rend perceptible. Cette présence discrète fait du chidori un symbole de l’impermanence et de la fragilité de l’existence.

Un jeu de mots ancien relie également chidori à l’expression 千取り, qui peut se lire comme « prendre mille ». De cette homophonie est née une symbolique de courage et de victoire, expliquant pourquoi le motif du chidori apparaît parfois dans des contextes guerriers ou comme ornement porteur de bon augure.

Lorsqu’ils sont représentés par deux, les chidori prennent enfin une dimension affective : ils deviennent un symbole d’union harmonieuse et de fidélité, thème que l’on retrouve aussi bien dans les arts décoratifs que dans la poésie.

Le motif du Chidori est présent dans tous les arts décoratifs japonais. Tissu, laque,

Le motif chidori dans les arts décoratifs

Le chidori est omniprésent dans les arts décoratifs japonais. Son graphisme simple et rythmé se prête parfaitement à la stylisation. On le retrouve sur des kimonos, des tissus teints ou brodés, des laques, des céramiques et même certains kamon (blason, emblème des grandes familles japonaises).

Souvent représenté en répétition, le motif suggère le mouvement continu, le vent sur l’eau et le passage du temps. Par un détail minuscule, il évoque un paysage entier.

Le chidori dans la poésie et le haïku

Dans le haïku et la poésie classique, le chidori est un kigo d’hiver fortement connoté. Il évoque les plages froides, le vent marin, la tombée du jour et l’errance du voyageur. Chez Bashō et d’autres poètes de l’époque d’Edo (1603-1868), le chidori n’est pas tant décrit visuellement qu’évoqué par son cri, élément sonore qui structure le paysage poétique.

Le chidori apparaît rarement comme un sujet central. Il agit plutôt comme un révélateur d’atmosphère, soulignant la vastitude du monde et la petitesse de l’être humain face à la nature.

Quelques exemples tirés du recueil “Haikus de bord de mer” aux éditions Moundarren :

ara iso ya hashiri naretaru tomochidori

habitués à longer

le rivage sauvage

une bande de pluviers

Kyorai (1651-1704)

iso chidori ashi wo nurashite asobi keri

les pluviers sur le rivage

à mouiller leurs pattes

s’amusent

Buson (1716-1784)

hoshizaki no yami wo miyoto ya naki chidori

le cap Hoshizaki dans l’obscurité

les cris des pluviers

m’invitent à regarder

Bashô (1644-1694)

kietemosemu ariakedzuki no hamachidori

la lune à l’aube

disparaissent

les pluviers sur le rivage

Chora (1729-1780)

Le chidori dans les estampes japonaises

Les artistes de l’ukiyo-e ont été sensibles à la force évocatrice de cet oiseau minuscule, dont quelques traits suffisent à suggérer le vent, l’eau et la saison.

Suzuki Harunobu

Chez Suzuki Harunobu (1725–1770), le chidori s’inscrit dans une vision profondément poétique et atmosphérique du paysage. L’estampe « La rivière de joyaux de la préfecture de Mutsu » (Mutsu no tamagawa), issue de la série des Six Rivières de Joyaux, en offre un exemple particulièrement évocateur. La scène se déploie sur une plage calme, presque irréelle, où la ligne du rivage s’étire dans une grande douceur.

Dans le ciel, des chidori traversent l’espace, esquissés par quelques traits légers et aériens. Ils ne constituent pas le sujet principal de l’image, mais leur présence est décisive : elle suggère la saison froide, le vent venu de la mer et une forme de solitude silencieuse. Chez Harunobu, le chidori agit comme un indice saisonnier et émotionnel, un souffle discret qui anime le paysage sans jamais le troubler. Il devient un élément de respiration visuelle, renforçant le caractère contemplatif de la scène et invite le regard à circuler. L’oiseau participe ainsi pleinement à l’esthétique de la suggestion propre au milieu de l’époque d’Edo, où l’émotion naît de ce qui est à peine montré.

Katsushika Hokusai

Chez Katsushika Hokusai (1760–1849), le chidori apparaît dans une relation plus directe et plus tendue avec le paysage. On le retrouve notamment dans la planche 38 du volume II de l’Ehon « Cent vues du mont Fuji » (Fugaku hyakkei). Dans cette image, le mont Fuji, bien que présent, n’est pas toujours immédiatement perceptible : le regard est d’abord attiré par le mouvement de l’eau, le rythme du paysage et la circulation de l’air.

Les chidori, minuscules face à l’immensité de la scène, traversent le ciel et longent l’eau, comme jouant avec la vague. Ils accentuent la sensation de froid et de vent. Leur présence introduit une échelle vivante dans un paysage dominé par les forces naturelles. Chez Hokusai, le chidori n’est pas seulement un marqueur saisonnier ; il devient un contrepoint fragile à la monumentalité du monde, soulignant la vulnérabilité, mais aussi la poésie et la douceur du vivant face à la puissance de la nature, thème central de toute la série des Cent vues du mont Fuji.

Kamisaka Sekka

Avec Kamisaka Sekka (1866–1942), figure majeure du mouvement Rinpa (琳派)¹ moderne, le motif du chidori connaît une interprétation radicalement différente, plus décorative et plus épurée. Dans son œuvre célèbre représentant une rivière en hiver animée par des chidori (tirée de la série Momoyogusa), Sekka réduit le paysage à quelques éléments essentiels : l’eau froide, les rives suggérées, le rythme des oiseaux et le silence des roseaux glacés.

Les chidori, stylisés à l’extrême, deviennent presque des signes graphiques. Leur répétition crée une cadence visuelle qui évoque à la fois le mouvement du courant et le souffle du vent hivernal. Ici, l’oiseau n’est plus un simple détail narratif ou poétique : il est un motif structurant, capable de condenser la saison, l’atmosphère et l’émotion en une composition d’une grande modernité.

Cette approche fait écho à l’usage du chidori dans les arts décoratifs traditionnels, tout en annonçant une sensibilité résolument contemporaine.

Rinpa, littéralement “école de Kôrin”. Cette école prônait un art décoratif ancré dans la tradition Yamato-e où des sujets simples tirés de la nature dans un style sobre sur fond doré marquait leur profonde nostalgie pour les arts des époques anciennes.

Un oiseau d’hiver au cœur de la sensibilité japonaise

Discret, presque effacé, le chidori incarne pourtant une esthétique profondément japonaise : l’attention portée aux êtres modestes, la beauté du fugitif et le dialogue constant entre nature et émotion. Oiseau du rivage et du passage, il ouvre cette série hivernale comme une invitation à regarder autrement les paysages silencieux de l’hiver.

Dans les prochains articles, nous nous tournerons vers la grue (tsuru), oiseau de longévité et de majesté, puis vers l’huîtrier du Japon (miyakodori ), oiseau du souvenir et de la nostalgie poétique.

……………………………………………

Sources

COLLET Hervé, CHENG Wing fun, Haikus du bord de mer, éditions Moundarren, 2023.
HILLIER Jack, The Art of Hokusai in Book Illustration, Sotheby Parke Bernet Publications, University of California Press, 1980.
KERVERN Alain, Le vent du nord, Grand Almanach Poétique japonais, Livre V, L’Hiver, Editions Folle Avoine, 1994.
MOSCATIELLO Manuela (présenté et traduit par), Kamisaka Sekka, Les Herbes de l’Eternité, éditions Philippe Picquier, 2013.
MURASE Mieko, L’art du Japon, Encyclopédie d’aujourd’hui, La Pochothèque, Librairie Générale Française, 1996.

29 novembre 202521 février 2026

Carnet de Voyage / 3 idées de pages originales

Le carnet de voyage n’est pas seulement un compagnon pour rassembler croquis, aquarelles et souvenirs : c’est aussi un terrain d’exploration créative, un espace où chaque page peut devenir un mini-univers.

Pour aider les débutants comme les plus expérimentés à varier les formats et les approches, je te propose aujourd’hui trois types de mises en page faciles à préparer et très amusantes à remplir :

la page cabinet de curiosités
la pleine page
la page à bulles

Ces trois formats s’adaptent à toutes les situations — voyage, balade en ville ou après-midi au café — et permettent d’apprendre à regarder différemment.

1. La page Cabinet de Curiosités

La page Cabinet de Curiosités consiste à peindre ou dessiner plusieurs rectangles ou carrés de couleur directement dans ton carnet, avant même d’avoir commencé à dessiner. Ces cadres deviennent autant de petites fenêtres prêtes à accueillir des croquis rapides, des détails observés, une phrase, une texture, une couleur prélevée sur place…

Idéal pour :

les sorties au musée
les sorties au jardin botanique ou au parc
une journée de voyage façon chronique

Pourquoi c’est génial ?

Tu retires le stress de la page blanche : les cadres invitent naturellement à remplir.
Tu peux varier les formats : petits, moyens, très étroits… cela guide le type de croquis à réaliser.
Tu te constitues une “planche” de souvenirs vivante, parfaite pour capturer plusieurs moments d’un même lieu.
Ce format te pousse à aller à l’essentiel et à regarder les détails tout en lâchant prise sur l’injonction à reproduire tout le sujet.

Comment faire :

Avant de commencer la visite, balade ou partir à l’assaut de ta journée :
- Créer sur ta page des cadres de couleurs remplis ou non, de tailles différentes.
- Laisser du blanc entre les cases pour un effet “cadre”.
- Tu peux utiliser des feutres de couleurs, de l’aquarelle, des crayons aquarellables ou juste coller des rectangles de papier de couleur.
- Laisse bien sécher tes cadres avant de partir.
- Attention de choisir un medium sur lequel il est possible de dessiner !
Durant ta visite/balade/journée, fait des croquis au stylo liner ou au stylo bille des éléments qui te marquent, qui t’enchantent, qui te surprennent, etc.
- Par exemple : des silhouettes, des feuilles, des façades, des textures, de petits objets, des motifs, des détails de tableau ou d’architecture…
- Tu peux t’amuser à sortir du cadre et tester des points de vue différents.
- S’il te reste des cases vides à la fin de ta visite, n’hésite pas à poser des mots sur tes émotions ou à prendre des photos des éléments que tu dessineras plus tard-
Astuces :
- Si tu remplis tes cases, choisi des couleurs de fond assez claires pour pouvoir dessiner/écrire par-dessus
- Ne choisis que 2 à 4 couleurs différentes pour ne pas surcharger la page
- Si tu as un billet d’entrée (ici exemple MAH, billet d’entrée rose) choisis tes couleurs en fonction pour harmoniser la page.
- Ose tester, même si tu ne “sais pas dessiner”, tu seras surpris.e du résultat !

Ta page devient ton petit cabinet de curiosités personnel.

2. La pleine page

La “pleine page” consiste à utiliser toute la surface disponible, que ce soit en format vertical, horizontal, sur une double page complète. C’est une approche immersive, parfaite pour saisir l’ampleur d’un paysage ou la verticalité d’une architecture impressionnante.

Idéal pour :

les paysages & panorama (horizontal)
les monuments (vertical)

Pourquoi c’est génial ?

En double page A5 ou A4, tu crées une composition cinématographique en plan large qui traverse la pliure du carnet.
Tu t’offres un grand espace pour créer, idéal pour les panoramas, les scènes urbaines ou les vues spectaculaires. Ose voir grand !
En vertical, tu valorises les monuments élancés : façades gothiques, tours, gratte-ciel, arbres immenses…
En horizontal, tu racontes l’étendue : lignes de montagnes, rizières, port, plages, ruelles longues…

Comment faire :

Choisis ton orientation selon le sujet :
- Horizontal pour les panoramas, paysages ouverts, lignes d’horizon.
- Vertical pour les sujets étroits et hauts, ou les scènes en contre-plongée.
Décide si tu veux utiliser une seule page ou les deux : la double page permet de retranscrire une sensation d’espace plus forte.
Esquisse (crayon ou aquarelle très diluée) les grandes masses d’abord : ciel, silhouettes, volumes principaux.
Ajoute les détails progressivement, couche par couche, en laissant respirer certaines zones pour maintenir l’ambiance.
À l’aquarelle, travaille en larges lavis pour poser l’atmosphère, puis ajoute quelques accents précis pour guider l’œil.
Une fois sec, ajoute tes textes : date, lieu et anecdotes

La pleine page est une invitation à entrer dans la scène, à capturer une sensation globale avant de s’attarder sur les détails.

3. La page à bulles

La page à bulles repose sur une simple idée : dessiner ou tamponner des cercles de tailles différentes sur la page, puis les remplir avec des croquis, des mots, des impressions ou de petites aquarelles.

On obtient une page ludique, rythmée et pleine de surprises, idéale pour résumer une expérience, un marché, un repas, un quartier ou une journée riche en petites découvertes.

Idéal pour :

les sorties en nature
les jours de flemme

Pourquoi on adore ?

Les bulles apportent de la variété et du dynamisme grâce au jeu sur les différents formats des bulles.
Tu peux harmoniser ta page grâce à l’aspect ouvert/fermé des bulles.
Tu peux mélanger texte et dessin sans rigidité.
Ce format est parfait pour saisir des objets précis : tasse, ticket, plante, détail architectural, texture, motif…
Tu peux donc choisir de représenter que des petits bouts d’une scène et non sa totalité.

Comment faire ?

Avant de commencer ta balade, dessine des bulles avec un gabarit (verre, couvercle de bocal, rouleau de scotch, washi tape, …).
Varie bien la taille des cercles pour créer du rythme.
En balade, remplis-les selon ton envie :
- petites scènes capturées sur le vif.
- oiseaux, passants, végétation
- mini-aquarelles,
- notes de voyage,
- impressions sensorielles
Choisi tes médiums en fonction du côté pratique (plein air ou intérieur). Rappelle-toi qu’un simple stylo bille suffit pour créer une jolie page !

La page à bulles devient un kaléidoscope de souvenirs, léger et joyeux.

Trois mises en page pour enrichir ton carnet

Ces trois formats — cadres colorés, pleine page et page à bulles — stimulent ta créativité tout en offrant des façons différentes d’observer le monde. Que tu dessines en extérieur ou dans un café, ils t’aident à trouver ta propre manière de documenter ce que tu vois.

Tu peux même combiner ces approches :
→ une série de bulles dans une composition verticale
→ des cadres colorés autour d’un sujet monumental
→ un paysage panoramique accompagnée de notes en petites bulles

Le carnet de voyage devient alors un espace de jeu, d’expérimentation et de poésie visuelle.

Les textes et images de cet article sont soumis aux droits d’auteur, aucune réutilisation partielle ou complète n’est autorisée.

16 novembre 202521 février 2026

Carnet de voyage / Pages “en cours de route”

En octobre dernier je suis partie 5 jours au sud de la France pour faire les premiers repérages en vue d’un projet en 2026 et bien sûr, j’ai tenu un carnet de voyage.

La folie d’octobre ayant été ce qu’elle a été, les pages sont restées telles quelles, certaines finies, d’autres en chantier, d’autres à peine esquissées… Je prévois de les finir d’ici fin décembre, mais en attendant, elles font un joli sujet d’article !

A travers ces pages j’ai eu envie de te montrer ce que ça peut être, un carnet “en cours de route“. Principalement pour :

t’aider à lâcher-prise sur le résultat
t’aider à être plus indulgent.e avec toi-même et prendre le temps
t’aider à voir les différents processus de créations qui demandent du temps et un certain engagement
et comprendre que certaines pages resteront inachevées, et c’est très bien
t’inspirer à commencer un carnet de voyage lors de ta prochaine escapade !

J’ai réunis ces pages ici, pour arrêter de se mettre la pression et commencer à créer, là, maintenant, tout de suite.

Vallauris – du 20 au 24 octobre 2025

Quelques pages finies pour :

se motiver à terminer son carnet une fois rentré.e
se souvenir de l’ambiance et de nos intentions premières

Quelques pages en chantier avec de la place pour :

venir écrire plus tard des infos locales ou tes émotions mis en mots
venir détailler et mettre en forme des informations reçues en vrac (par exemple notes sur la visite de l’usine Fragonnard à Grasse)

De nombreuses pages à peine esquissées mais avec :

des notes plus ou moins précises
des croquis
des liens vers les photos prises afin de me rappeler ce que j’avais prévu au départ

Une visite privée de mon carnet (toujours en cours en novembre 2025)

3 pages finies
3 pages en cours
6 pages esquissées qui attendent mots et couleurs

Objectif : finir toutes ces pages pour fin décembre

Vu mon emploi du temps et les impératifs qui arrivent début décembre, ce ne serait pas réaliste de m’imposer de finir ces pages avant… d’où l’importance de prendre des notes, des photos et de commencer les pages sur place !

16 novembre 202521 février 2026

Moyô les motifs japonais-retours sur nos ateliers créatifs aquarelle/couture

Cette année dans le cadre de l’Automne de la culture japonaise 2025 mon amie Florence et moi avons proposé deux ateliers sur le thème des motifs japonais: un atelier aquarelle avec des motifs décoratifs et un atelier couture pour créer une pochette avec des tissus japonais aux motifs plus sobres voire géométriques.

Verdict ?

✨️ 5 ateliers complets

✨️ 16 participants comblés

✨️ 9 pochettes uniques

✨️ 21 cartes décorées

✨️ 12 litre de thé genmaicha

✨️ 5 gâteaux aux carottes maison

✨️ Milles sourires et retours positifs

Merci pour cette belle édition 2025 !

Les mots de nos participants

Merci pour ce très beau moment de douceur. Je suis très heureuse de repartir avec une pochette finie ! Merci encore pour cet accompagnement de qualité autant dans la réalisation de la pochette, que dans les explications concernant les motifs des tissus. – M.

J’ai beaucoup aimé cet atelier d’aquarelle original et bien présenté. Avoir un aperçu des différentes techniques (mouillé sur mouillé, mouillé sur sec, sec sur sec), même sur des sujets limités a été très enrichissant pour moi qui débutait complètement. Pouvoir repartir avec une petite palette de couleurs artisanales m’a donné l’occasion de tout de suite m’y remettre une fois rentrée! Merci pour cette découverte! – P.

C’est toujours un plaisir de suivre les cours d’Andrea et cette fois-ci, avec la couture j’étais vraiment curieuse. Une fois de plus il n’y a rien à redire : deux passionnées qui nous partagent connaissances, précision et bonne humeur. Je recommande chaudement ! – F.

30 septembre 20252 octobre 2025

Carnet de Voyage / Saline Royale d’Arc-en-Senans

Voici un compte rendu de mes pages de carnet créés à l’occasion de la sortie annuelle du Jeûne genevois par l’association Suisse-Japon section Suisse romande.

Cette année direction la Franche-Comté pour une visite guidée de la Saline royale d’Arc-et-Senans et de ses différentes expositions, suivi d’un repas japonais à Dole.

Aquarelle, feutre et stylo sont les médiums utilisés au fil de ces pages. Si j’ai commencé la plupart des pages sur place je les ai finies tranquillement chez moi, dans le confort douillet de ce début d’automne.

Bon voyage !

Jeudi 11 septembre 2025 – 7h / Rendez-vous à la gare pour un départ en minibus

Levé du jour avant les virages et le mal des transports… (aquarelle, croquis et ébauche de texte dans le bus)

10h – Arrivée à Arc-et-Senans

Saline royale et visite guidée avec un historien passionné (j’ai pris beaucoup de notes et j’ai fait des croquis)

Détail des bernes à droite de la maison du directeur (croquis sur place)

Vue des bernes d’en face (premières couches sur place, finitions en intérieur)

Musée du sel

Exposition temporaire – Corto Maltese (jusqu’au 9 novembre 2025). Un vrai coup de cœur pour les noirs et la force graphique d’Hugo Pratt. Et cette citation…

Musée Nicolas Ledoux (l’architecte de ce lieu incroyable) et vue du bus direction Dole.

13h – repas japonais à Dôle, chez Iida-ya

Au menu : chawanmushi champignon, tempura, canard sur lit de haricots verts et patate douce accompagné de riz et de soupe miso, en dessert une crème brûlée au sésame noir. Miam miam miam !

Avec mes voisines de table on a aussi pris une dégustation de saké pour accompagner l’entrée. le plat et le dessert. Une découverte !

Une belle escapade culturelle et créative, ponctuée de beaux échanges.

Saline royale d’Arc-et-Senans, patrimoine mondial de l’UNESCO depuis 1982.

www.salineroyale.com

L’accès à Arc-et-Senans est possible en train.

Si vous y allez en voiture et que vous passez par le Jura, n’hésitez pas à aller voir les nombreuses cascades du parc national du Haut-Jura. J’ai un faible pour la “cascade du hérisson” 😊

Restaurant Iida-ya, Rue Sergent Arney 16, 39100 Dole

www.iida-ya.fr

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1 août 20251 août 2025

Ohara Koson – Le silence vivant de la nature

Un artiste discret au cœur d’un renouveau

Né en 1877 à Kanazawa, Ohara Koson (小原古邨) est une figure singulière de l’estampe japonaise du début du XXe siècle. Il traverse une époque de bouleversements, où l’art japonais oscille entre traditions millénaires et influences occidentales croissantes. Formé d’abord à la peinture de style nihonga (peinture traditionnelle japonaise), Koson se spécialise ensuite dans un genre à la fois ancien et en pleine mutation : les kachō-e, ou “images d’oiseaux et de fleurs”.

Son nom véritable était Ohara Matao. Il prendra d’abord le nom d’artiste Shōson (昇邨), puis Koson, notamment lorsqu’il commence à produire des estampes destinées à l’exportation.
Contrairement à d’autres artistes de la même époque, il ne cherche pas à peindre les foules, les villes modernes ou les femmes sophistiquées de Tokyo. Il préfère capter le souffle du vivant, dans des scènes naturelles à première vue simples, mais d’une grande finesse d’observation. Libellule sur une feuille de lotus, papillon en vol, moineau dans la neige… tout est dans la pureté de l’instant.

Ohara Koson, “Mouettes au-dessus des vagues”, estampe Shin-hanga, vers 1915.

Le contexte : entre tradition et renouveau

Ohara Koson émerge dans un Japon qui a connu l’ouverture forcée à l’Occident (ère Meiji, 1868–1912) et une rapide modernisation. Cette transition entraîne le déclin de l’estampe traditionnelle ukiyo-e, concurrencée par la photographie et la presse illustrée. Mais au début du XXe siècle, un renouveau s’amorce avec le mouvement shin-hanga (新版画), ou « nouvelle estampe ».
Le shin-hanga combine les méthodes artisanales japonaises (dessin, gravure sur bois, impression manuelle), avec une sensibilité picturale moderne : lumière, atmosphère, expressivité.

Dans ce mouvement, Koson joue un rôle particulier : il ne se consacre ni aux paysages (fūkei-ga), ni aux portraits féminins, mais presque exclusivement au genre kachō-e. Il renouvelle avec élégance cette tradition ancienne, proche de l’esthétique du haiku, qui célèbre la nature dans son dépouillement.

Ohara Koson, “Deux carpes koi”, estampe Shin-hanga, vers 1910.

Le mouvement shin-hanga

Le terme shin-hanga (新版画) signifie littéralement « nouvelle gravure ». Ce courant artistique est né au Japon au début du XXe siècle, autour des années 1910, en réponse au déclin de l’estampe traditionnelle ukiyo-e. Il s’agit d’un renouveau artistique qui cherche à préserver l’art de l’estampe sur bois tout en l’adaptant aux goûts modernes — notamment à ceux des collectionneurs occidentaux.
Le shin-hanga garde la méthode artisanale de production en collaboration entre l’artiste, le graveur, l’imprimeur et l’éditeur (comme chez les ukiyo-e), mais s’ouvre à :

des effets de lumière inspirés de la peinture occidentale (ombres, reflets, couchers de soleil),
une approche plus naturaliste dans les visages, les paysages ou les animaux,
une ambiance plus émotionnelle et poétique.

Ohara Koson s’est inscrit dans ce mouvement, même s’il s’est spécialisé presque exclusivement dans un genre très particulier…

Ohara Koson, “Chat et bol au poisson rouge”, estampe Shin-hanga, 1931.

Le genre kachō-e

Le mot kachō-e (花鳥絵) signifie « images de fleurs et d’oiseaux » (花 ka = fleur, 鳥 chō = oiseau, 絵 e = image). C’est un sous-genre de l’estampe japonaise qui remonte à bien avant Koson, mais auquel il a donné une nouvelle élégance, dans l’esprit shin-hanga.
Contrairement à l’ukiyo-e classique, centré sur les portraits de geishas ou d’acteurs de kabuki, les kachō-e célèbrent la nature dans ses détails les plus délicats :

oiseaux en vol ou posés,
fleurs de saison,
petits insectes,
scènes de pluie, de neige ou de vent.

Ce n’est pas une peinture purement décorative : chaque image porte une ambiance saisonnière, parfois même une charge symbolique ou poétique.
On pourrait dire que le kachō-e, c’est la version visuelle d’un haiku : concentré, évocateur, plein de silence et de suggestion.

Ohara Koson, “Lys et papillons”, estampe Shin.hanga, vers 1912.

Style et influences

Ohara Koson est formé par Shibata Zeshin, maître de la peinture décorative et du réalisme raffiné. Il s’inspire également des peintres de l’école Maruyama-Shijō, qui prônent une observation attentive du vivant et une certaine souplesse dans le trait.
Mais ce qui fait la force de Koson, c’est :

sa sobriété : des arrière-plans souvent neutres, pour mieux faire vibrer le sujet,
son utilisation subtile de la couleur, jamais criarde, souvent fondue,
son attention au détail, qu’il s’agisse d’une plume, d’une aile d’insecte ou d’une vibration dans l’eau,
son art du silence : ses images respirent. Elles laissent de l’espace, du blanc, du vide. Ce vide n’est pas un manque, mais un appel à la contemplation.

Ohara Koson, “Libellule et lotus”, estampe Shin-hanga, vers 1930.

Trois visions de l’été par Koson

1. Lotus et libellule
Dans cette estampe minimaliste, une libellule repose sur une feuille de lotus. Le fond est clair, presque vide. La tige ondule légèrement, et la libellule semble suspendue dans le temps.
Le lotus (symbole de pureté née de la boue) et la libellule (symbole de fugacité et d’agilité) condensent ensemble l’essence de l’été : un moment suspendu, fragile, intense.

Cette œuvre incarne la beauté silencieuse si caractéristique de Koson.

Ohara Koson, “Glycine et abeille”, estampe Shin-hanga, vers 1930.

2. Glycine et abeille
La glycine tombe en grappes légères, dans un mouvement presque musical. Une abeille s’en approche, ou vient d’en partir : l’instant est figé entre deux battements d’ailes.
La glycine (fuji) est une fleur de fin de printemps qui annonce l’été. L’abeille, infatigable travailleuse, incarne la vitalité de la saison chaude.
Ici, le dynamisme discret et la composition en diagonale renforcent l’impression de mouvement. L’image est simple, mais vibrante. Elle incite à la contemplation.

Ohara Koson, “Saumons sautant”, estampe Shin-hanga, vers 1930.

3. Saumon sautant
Un saumon jaillit hors de l’eau dans un arc élégant. Le fond est bleu-gris, la surface de l’eau striée de traits légers. L’œil du poisson est vif, son corps tendu vers le haut.
Ce saut symbolise à la fois la force de la nature, le cycle de la vie, et l’instant décisif. Simple, presque anodin et pourtant vital.

Koson nous offre ici une image de puissance silencieuse, sans bruit, sans éclat — juste l’essentiel : le mouvement pur.

Ohara Koson, “Gobe-mouche sur un plant de concombre”, estampe Shin-hanga, vers 1910.

Héritage d’un maître du fragile

Ohara Koson meurt en 1945, peu après la fin de la guerre. Son nom reste peu connu au Japon, mais ses œuvres rencontrent un grand succès en Occident, notamment aux États-Unis, où elles sont collectionnées dès les années 1910.
Aujourd’hui, on redécouvre son génie discret (une série d’exposition commémorant les 80 ans de la mort de l’artiste, notamment au musée Ota à Tokyo) : celui d’un artiste qui a su capter l’intensité d’un instant éphémère, sans jamais forcer le trait, en laissant toujours place au silence. Ses estampes nous rappellent que dans un monde bruyant et agité, il est bon de regarder une libellule, une fleur ou un poisson, simplement… et longtemps

Sources

IMAHASHI Riko, Edo no dôbutsuga – kinsei bijutsu to bunka no kôkogaku 江戸の動物画、近世美術と文化の考古学 (“Les images d’animaux à l’époque d’Edo – archéologie de l’art et de la littérature moderne”), Tôkyô Daigaku Shuppankai 東京大学出版会, Tôkyô, 2004, 344 pp.
https://baike.baidu.com/item/%E5%B0%8F%E5%8E%9F%E5%8F%A4%E9%82%A8/1853965
://www.ukiyoe-ota-muse.jp/oharakoson/
https://www.artofukiyoe.com/blog/5zmpb5gmg8p3gz3yaz8gmch24ncmjt

29 juin 202529 juin 2025

Ralentir… et créer pour vaincre la chaleur

En été, la canicule nous contraint à lever le pied. L’air semble figé, le corps ralentit, et l’esprit s’égare plus vite. Et si, au lieu de lutter contre cette torpeur, nous apprenions à l’habiter ?

Loin d’être une pause forcée, ce ralentissement est une invitation à être pleinement présent — à soi, à ce qui nous entoure, à notre geste créatif.

Voici trois petites pratiques estivales pour explorer la lenteur, avec ce que tu as sous la main : un carnet, un peu de couleur, des chutes de papier

1. Écriture automatique estivale

Temps : 10 minutes

Matériel : carnet ou feuille, stylo ()carte postale, papier origami, stylo colorés, crayons aquarellables, amuse-toi !

Installe-toi près d’une fenêtre ou dans un coin tranquille. Pose-toi une question simple, presque anodine :

Qu’est-ce que je ressens maintenant ?
Par la fenêtre, je vois…
Sur ma table il y a…
Par cette chaleur, l’air se fige, comme…
Le ventilateur ronronne et moi…
En ouvrant mon carnet, j’ai envie de…

Maintenant écris, sans t’arrêter, sans juger, sans revenir en arrière. Laisse venir les mots comme une brise légère : souvenirs, sensations, bribes de pensées.

Si rien ne vient, écris plusieurs fois “rien ne vient” jusqu’à ce qu’un mot vienne tout déclencher.

💡 Astuce : pour aller plus loin, choisis un mot lié à l’été (chaleur, fenêtre, lumière, figue, soif…) et fais-le apparaître dans chaque phrase, comme un fil rouge.

L’objectif n’est pas d’écrire “bien”, mais d’écrire vrai, lentement, en s’écoutant.

2. Taches et tracés : jouer avec les formes

Temps : 20 minutes

Matériel : aquarelle ou encre diluée,feutres ou crayons de couleurs, papier, stylo fin noir

Commence par poser quelques taches de couleur sur ton papier, sans chercher de forme : joue avec l’eau, les mélanges, les zones plus ou moins sèches. Attends que ça sèche complètement.

Maintenant observe ces tâches aléatoires : une silhouette, un nuage, une plante apparaissent-ils dans ces taches ? Avec ton stylo, dessine par-dessus ce que tu vois. Tu peux ajouter un détail floral, un personnage, un objet du quotidien, des pattes et un bec pour faire un oiseau, des jeux de texture… vas là où ta créativité t’emmène.

💡 Variante lente : repasse plusieurs fois au même endroit en dessinant pour ralentir le trait et y mettre plus d’intention. Tu peux aussi mettre un minuteur.

💡 Pour aller plus loin : Tu peux choisir une gamme de couleurs ou un thème en amont. Les jaunes-oranges, les verts-bleus ou les rouges-violets pour travailler les oiseaux, les objets de l’été, les arbres ou simplement ce que tu vois par la fenêtre.

C’est une méditation active : voir sans forcer, dessiner sans but.

3. Collage d’ambiance : mood board sensoriel

Temps : 30 minutes

Matériel : magazines, vieux papiers, ciseaux, colle, carnet, feutres, stylo

Feuillette quelques pages de magazine et découpe/déchire ce qui t’attire sans réfléchir : une texture, une couleur, une silhouette, un mot.

Assemble-les ensuite en écoutant ton humeur : cherche une atmosphère d’été, une sensation plutôt qu’un sens. Mets un minuteur 3-5min pour ne pas trop penser et laisser la place à ton intuition.

Colle les éléments en les laissant respirer. Puis écris une phrase, un texte ou juste un mot sur ce que tu ressens là, maintenant, en regardant ta composition.

💡 Conseil : n’hésite pas à inclure un papier de soie froissé, une étiquette, une photo floue… tout ce qui évoque l’été à ta façon.

Ce collage est un miroir doux de ton monde intérieur, sans jugement.

Si tu veux venir découvrir d’autres activités ludiques à intégrer ou non dans ton carnet de voyage, le stage Initiation au carnet de voyage est pour toi.