En été, la canicule nous contraint à lever le pied. L’air semble figé, le corps ralentit, et l’esprit s’égare plus vite. Et si, au lieu de lutter contre cette torpeur, nous apprenions à l’habiter ?
Loin d’être une pause forcée, ce ralentissement est une invitation à être pleinement présent — à soi, à ce qui nous entoure, à notre geste créatif.
Voici trois petites pratiques estivales pour explorer la lenteur, avec ce que tu as sous la main : un carnet, un peu de couleur, des chutes de papier
Installe-toi près d’une fenêtre ou dans un coin tranquille. Pose-toi une question simple, presque anodine :
Qu’est-ce que je ressens maintenant ?
Par la fenêtre, je vois…
Sur ma table il y a…
Par cette chaleur, l’air se fige, comme…
Le ventilateur ronronne et moi…
En ouvrant mon carnet, j’ai envie de…
Maintenant écris, sans t’arrêter, sans juger, sans revenir en arrière. Laisse venir les mots comme une brise légère : souvenirs, sensations, bribes de pensées.
Si rien ne vient, écris plusieurs fois “rien ne vient” jusqu’à ce qu’un mot vienne tout déclencher.
💡 Astuce : pour aller plus loin, choisis un mot lié à l’été (chaleur, fenêtre, lumière, figue, soif…) et fais-le apparaître dans chaque phrase, comme un fil rouge.
L’objectif n’est pas d’écrire “bien”, mais d’écrire vrai, lentement, en s’écoutant.
2. Taches et tracés : jouer avec les formes
Temps : 20 minutes
Matériel : aquarelle ou encre diluée,feutres ou crayons de couleurs, papier, stylo fin noir
Commence par poser quelques taches de couleur sur ton papier, sans chercher de forme : joue avec l’eau, les mélanges, les zones plus ou moins sèches. Attends que ça sèche complètement.
Maintenant observe ces tâches aléatoires : une silhouette, un nuage, une plante apparaissent-ils dans ces taches ? Avec ton stylo, dessine par-dessus ce que tu vois. Tu peux ajouter un détail floral, un personnage, un objet du quotidien, des pattes et un bec pour faire un oiseau, des jeux de texture… vas là où ta créativité t’emmène.
💡 Variante lente : repasse plusieurs fois au même endroit en dessinant pour ralentir le trait et y mettre plus d’intention. Tu peux aussi mettre un minuteur.
💡 Pour aller plus loin : Tu peux choisir une gamme de couleurs ou un thème en amont. Les jaunes-oranges, les verts-bleus ou les rouges-violets pour travailler les oiseaux, les objets de l’été, les arbres ou simplement ce que tu vois par la fenêtre.
C’est une méditation active : voir sans forcer, dessiner sans but.
Feuillette quelques pages de magazine et découpe/déchire ce qui t’attire sans réfléchir : une texture, une couleur, une silhouette, un mot.
Assemble-les ensuite en écoutant ton humeur : cherche une atmosphère d’été, une sensation plutôt qu’un sens. Mets un minuteur 3-5min pour ne pas trop penser et laisser la place à ton intuition.
Colle les éléments en les laissant respirer. Puis écris une phrase, un texte ou juste un mot sur ce que tu ressens là, maintenant, en regardant ta composition.
💡 Conseil : n’hésite pas à inclure un papier de soie froissé, une étiquette, une photo floue… tout ce qui évoque l’été à ta façon.
Ce collage est un miroir doux de ton monde intérieur, sans jugement.
Si tu veux venir découvrir d’autres activités ludiques à intégrer ou non dans ton carnet de voyage, le stage Initiation au carnet de voyage est pour toi.
Au Japon, le mois de juin marque l’arrivée du tsuyu (梅雨), littéralement “la pluie des prunes”. A l’origine, ce kigo évoque la pluie qui tombent sur les prunes déjà mûres1, tout comme “le vent bleu du sud” (青風) évoque le vent qui passe dans les jeunes feuilles (bleues) du début d’été. Tsuyu c’est surtout des pluies intenses venues du sud et qui remontent tout le Japon pendant le mois de juin. C’est une saison particulière, enveloppée de brume, de silence mouillé et de reflets changeants. Cette période, qui dure environ un mois et demi, est frappée d’épisodes pluvieux aléatoires, voire de véritables déluges.2 Cette saison, souvent redoutée pour son humidité, est aussi synonyme de renouveau.
La pluie, loin d’être seulement un désagrément, est porteuse de sens : elle nourrit la terre, prépare les rizières, et lave symboliquement les impuretés des six premiers mois de l’année.3 Dans la tradition japonaise, cette transition humide est un moment d’équilibre entre purification, introspection et préparation de l’été
Ima hajimeru hito tame no haiku saijiki, Kadokawa edition, 2022, p.130.
PINON Matthieu, Une année japonaise, immersion dans le quotidien japonais au fil des douze mois de l’année, Ynnis Edition, 2017, p.35.
Ibid, p.42.
Les fleurs de saison : les ajisai
Parmi les symboles les plus emblématiques de cette saison : les ajisai 紫陽花(hortensias). Ces fleurs aux couleurs changeantes selon l’acidité du sol sont très aimées au Japon, Appréciant l’humidité, cette plante d’Extrême-Orient peut-être bleue (sol acide) à rose (sol alcalin), mais peut passer par toutes les nuances de mauves et de violets.1 Leur floraison coïncide avec les premières grandes pluies, offrant un spectacle à la fois mélancolique et profondément apaisant.2
Ima hajimeru hito tame no haiku saijiki, Kadokawa edition, 2022, p.208.
Le rituel de purification de mi-année : Nagoshi no Harae
Chaque 30 juin, les Japonais célèbrent le Nagoshi no Harae (夏越の祓え), un rite ancestral de purification. À cette occasion, de grands cercles de miscanthus ou roseaux de Chine (chinowa) sont installés à la verticale devant les sanctuaires shintô. Le rituel veut qu’on les traverse trois fois avant de réciter une prière pour chasser les impuretés accumulées durant la première moitié de l’année.1 C’est un moment de recentrage personnel mais aussi spirituel, où l’on exprime le désir de commencer l’été avec un esprit purifié. Il est aussi courant de remplir un petit talisman de papier représentant une silhouette humaine (hitogata), sur lequel on souffle ses impuretés avant de le jeter à la rivière ou au feu.2
JEGU, p.67.
Idem.
Un temps propice au repli
Le tsuyu est aussi une saison d’intimité : on ralentit, on reste chez soi, on savoure une tasse de thé en écoutant les gouttes d’eau tomber contre les tuiles. Ce climat doux favorise les activités contemplatives comme la calligraphie, la lecture ou l’écriture de haikus — souvent consacrés à la pluie, aux grenouilles, ou à l’éclosion de la nature estivale.
aogaeru onoremo penki nuritate ka *
青蛙おのれもペンキぬりたてか
elle aussi,
serait-elle fraîchement peinte
la grenouille bleue
Ryûnosuke Akutagawa
*Tiré de Schôgakusei no manga haiku jiten, éd. Gakken, p.105, traduction (C) Le Japon avec Andrea.
Explications
Ici le kigo, ou mot de saison, d’été est “grenouille bleue” (青蛙). C’est une sorte de rainette très répandue au Japon. On l’appelle aussi “grenouille de pluie” car on la voit souvent juste avant la pluie, comme si elle l’annonçait. C’est un kigo évocateur et poétique.
Si le kigo “grenouille” kaeru (蛙 ) est signe du printemps, “grenouille bleue” est associé à l’été et à la saison des pluies.
Ce haiku fait référence à l’aspect brillant que prend la peau de la grenouille sous la pluie, comme si elle avait été peinte. Ici la pluie n’est donc que suggérée et rend le jeu de perception des éléments encore plus délicat.
Un haiku doux, frais et délicat, tout ce qu’on aime!
Bonus : 5 objets japonais liés à la pluie
Pour prolonger cette ambiance, voici 5 objets traditionnels japonais étroitement liés à la saison des pluies :
1. Teru Teru Bôzu (てるてる坊主) Une petite poupée blanche suspendue aux fenêtres pour faire venir le beau temps. Les enfants les fabriquent en papier ou en tissu, les yeux souvent non dessinés — on les ajoute seulement si le soleil revient.1
2. Kasa (傘) Le parapluie, évidemment, mais au Japon c’est tout un art. Les wagasa (parapluies traditionnels en bambou et papier huilé) sont encore utilisés pour les festivals, tandis que les parapluies transparents modernes en vinyle sont partout.2
3. Uchiwa (団扇) Eventail plat, rond, ovale ou carré aux bords arrondis, c’est l’accessoire incontournable de l’été japonais et des lourdes journées humides. Aujourd’hui ils sont aussi utilisé à des fins publicitaire et des versions en plastique sont distribués à la sortie des gares et stations de métro.3
4. Furin (風鈴) Les clochettes à vent en verre, métal ou céramique. Leur doux tintement accompagne les premières brises d’été et apaise les journées pluvieuses.4
5. Geta (下駄) Les sandales de bois japonaises, légèrement surélevées, permettent de marcher dans les flaques d’eau sans se mouiller complètement. Leur clac-clac résonne sur les chemins humides.5
JEGU, p.53.
PINON, p.35.
VARNAM-ATKIN Stuart, Le meilleur de la culture japonaise, une vue d’ensemble illustrée, éd Sully, 2017, p.146.
Ibid, p.156.
Le Japon en un coup d’oeil, Kodansha Edition, 2010 , p.34.
Tu aimerais immortaliser ton été autrement ? Prendre le temps d’observer, de dessiner, de te reconnecter à ton regard et à tes émotions ? Cet été, je te propose 5 stages et 1 voyage pour explorer la pratique du carnet de voyage et l’aquarelle, dans une ambiance bienveillante, créative et joyeuse.
Carnet de voyage
programme sous réserve de modifications
Initiation à la pratique du carnet de voyage
du 30 juin au 04 juillet / 10h-12h / Espace Gaimont / 275 CHF / 5 places
Initiation en salle au carnet de voyage pour te donner les outils et la confiance nécesasire pour immortaliser tes prochains voyages.
Tu n’as jamais osé te lancer ? Viens découvrir comment un carnet peut devenir ton meilleur compagnon de voyage. Pas besoin de savoir dessiner, juste l’envie de t’exprimer.
du 07 au 11 juillet / 09-14h / excursions sur Genève et alentours (programme détaillé disponible prochainement) / 375 CHF / 5 places
Cinq excursions à 30 minutes de la ville pour t’inspirer les plus belles pages de carnet de voyage. Entre lac et forêt, je t’invite à observer, ressentir et finalement oser poser formes et couleurs sur le papier. Chaque jour, un nouveau lieu, une nouvelle atmosphère, pour dessiner autrement.
Si tu es de celleux qui n’osent jamais sortir leur carnet en voyage et qui finissent un peu frustré.e de ne pas s’être lancé, ce stage est idéal pour toi !
Du 07 au 09 août / séjour a la carte / Montreux / 175 CHF à 487.80 CHF* / 6 places
Un séjour à options pour vivre pleinement l’expérience du carnet de voyage tout en respectant ton énergie et ton budget. Rejoins-moi pour (re)découvrir les paysages suisses autrement !
Programme a choix :
☀️ 07/08 aller en bateau Genève-Montreux. Retour à Genève en train ou 1 nuit à Montreux (à choix).
☀️ 08/07 train crémaillère pour le Rocher de Naye, jardin alpin et vue incroyable. Retour à Genève en train ou 2e nuit à Montreux (à choix).
☀️ 09/08 Riviera de Montreux et retour à Genève en train.
*Le tarif comprend les ateliers carnet de voyage (120 CHF/jour), le billet aller CGN (1/2 tarif 28 CHF ou plein tarif 55 CHF) et le billet aller-retour en train à crémaillère pour les Rochers-de-Naye (excursion 2 et 3 jours, 36,40/72,80 CHF). En fonction des options choisies, chaque participant est responsable de son billet retour en train (16/32 CHF), de ses repas ainsi que de l’hébergement.
Pour bénéficier du prix avec demi tarif, entre le code cité ci-dessous avant de valider ton panier.
du 30 juin au 04 juillet / 18h-20h / Espace Gaimont/ 325 CHF / 5 places
Viens apprendre à inclure mur, porte, fenêtre et bâtiment dans tes paysages à l’aquarelle. Cinq ateliers pour apprendre à peindre des paysages avec perspective intuitive, des buissons et des arbres avec de la profondeur, des pierres chaudes et froides pour plus de réalisme et d’émotions dans tes aquarelles.
du 11 au 15 août / 10h-12h / Espace Gaimont / 325 CHF / 5 places
Viens explorer couleurs et nuanciers pour peindre tes plus beaux paysages tout en exerçant les principes de l’aquarelle (mouillé sur mouillé, mouillé sur sec, lavis, mélanges de couleurs, etc.). Des couleurs chaudes aux couleurs froides, en passant par les couleurs neutres, tu ne verras plus jamais l’aquarelle de la même manière.
du 11 au 15 août / 18h-20h / Espace Gaimont / 325 CHF / 5 places
Viens apprendre à peindre plages, villages ensoleillé ou prairies de montagne et explorer toutes les facette de l’aquarelle. Que ce soit pour immortaliser tes souvenirs d’été ou entraîner ta main pour un prochain carnet de voyage, ce stage va t’aider poser couleurs et émotions.
Émotion et impermanence dans Yuku Haru-zu de Kawai Gyokudō
Kawai Gyokudō et la tradition du nihonga
Kawai Gyokudō (川合玉堂, 1873-1957) est un peintre majeur du mouvement nihonga (日本画), littéralement “peinture japonaise”, un style de peinture qui émerge à l’époque Meiji par opposition au style de peinture à l’huile occidentale, alors en vogue1. Spécialisé dans les paysages, il a su capter avec une rare sensibilité les variations des saisons et l’esprit des lieux naturels.
Sa maîtrise du lavis et de la couleur diluée lui permet de restituer l’essence des paysages avec une subtilité qui évoque souvent l’aquarelle.2 Son travail repose sur l’utilisation des pigments minéraux broyés (iwa-enogu, 岩絵具), appliqués sur du papier washi ou de la soie3, avec des nuances feutrées qui transmettent une impression de profondeur et de douceur.
Dans cet article, nous allons découvrir une de ses œuvres majeure : Yuku Haru-zu (行く春図) en écho aux haiku traditionnels de fin de printemps.
Kawai Gyokudō , Le printemps s’en va (panneau gauche), 1916, National Museum of Modern Art, Tokyo
Le regard de Gyokudō dans le contexte de son époque
À l’époque de Kawai Gyokudō, la peinture japonaise traversait une période de profondes mutations. L’ère Meiji (明治時代 1868-1912) avait ouvert le Japon aux influences occidentales, provoquant une remise en question des formes artistiques traditionnelles1. Gyokudō, formé auprès de masters comme Hashimoto Gahō (橋本雅邦, 1835–1908) — l’un des piliers du renouveau du style Nihonga —, s’inscrit dans ce mouvement de préservation et d’évolution de l’esthétique classique. Très tôt reconnu, il expose régulièrement aux expositions gouvernementales (Bunten, 文展), où il reçoit plusieurs distinctions, dont le prestigieux titre de membre de l’Académie impériale des arts (Teikoku Bijutsuin, 帝国美術院)2. Ses paysages, souvent empreints d’une profonde poésie naturelle, s’opposent aux tendances plus modernistes de contemporains comme Yokoyama Taikan (横山大観, 1868–1958), préférant au spectaculaire une attention silencieuse aux rythmes des saisons et à l’émotion du passage du temps. Sa peinture, tout en restant fidèle aux matériaux traditionnels, incarne une sensibilité nouvelle : un Japon entre mémoire ancestrale et mélancolie moderne.
Waves of renewal, modern Japanese prints 1900 to 1960, catalogue d’exposition, Hotei Publishing, Leiden, 2016, p.11.
Hashimoto Gaho. “Dragon contre tigre”. couleurs sur soie, 1899. Museum of the Imperial Collections. 日本語: 橋本雅邦《龍虎図》
Yokoyama Taikan, “Cimes sacrées du Chichibu à l’aube du printemps”, rouleau peints, encre sure soie,1928.
Le kigo Yuku Haru (行く春) et sa symbolique dans l’univers du haiku
Dans la poésie japonaise, yuku haru (行く春, “le printemps qui s’en va”) est un kigo (mot de saison) propre au printemps. Il exprime la transition entre la douce floraison et l’approche inéluctable de l’été1. Contrairement à l’exaltation des cerisiers en fleurs (sakura), yuku haru traduit un sentiment plus mélancolique, une prise de conscience de l’impermanence (mujō, 無常), concept central dans la culture japonaise et le bouddhisme zen. Plus que simplement le printemps, c’est aussi la nostalgie de la jeunesse qui s’en va qui est ainsi évoquée.2
Dans l’univers du haïku, ce kigo est souvent associé à la nostalgie et à l’éphémère, comme dans ce célèbre haïku de Yosa Buson (1715-1783) :
kinofukure / kefu mata kurete / yuku haru ya
hier s’est terminé
aujourd’hui se termine
le printemps s’en va3
Ima hajimeru hito no tameno Haiku saijiki shinban (L’almanach du haiku pour débutants, nouvel édition), KADOKAWA corporation, Tôkyô, 2023, p.22.
COLLET Hervé et CHENG Wing fun, “Ah! le printemps, le printemps, ah! ah le printemps”, éd Moundarren, 1991, p.146.
Kawai Gyokudō , Le printemps s’en va (panneau droit), 1916, National Museum of Modern Art, Tokyo
Analyse technique de Yuku Haru-zu (行く春図)
Réalisée en 1916, Yuku Haru-zu est une œuvre monumentale de Kawai Gyokudō, mesurant 183,0 × 390,0 cm, et conservée au Musée national d’art moderne de Tokyo. Cette peinture, exécutée selon les techniques du nihonga (日本画), combine pigments minéraux broyés (iwa-enogu, 岩絵具) et encre sur soie, offrant une palette délicate de teintes pastel. Gyokudō y déploie une maîtrise exceptionnelle des lavis pour représenter les reflets de l’eau et la transparence de l’air printanier. L’artiste a accordé une attention particulière à la représentation du mouvement de l’eau, s’inspirant de ses croquis réalisés lors d’un voyage à Nagatoro dans la région de Chichibu, où il a observé le courant de la rivière et les cerisiers en fleurs1.
Dans le premier panneau, la scène s’ouvre sur une rivière paisible, où des bateaux glissent doucement sur l’eau, évoquant une atmosphère de sérénité. Les rives sont bordées de cerisiers en fleurs, dont les pétales tombent délicatement, portés par la brise printanière. Cette représentation symbolise la beauté éphémère du printemps et le passage du temps.
Le second panneau poursuit cette ambiance contemplative, mettant en scène des embarcations naviguant sur la rivière, accompagnées de personnages qui semblent absorbés dans leurs pensées. L’ensemble de l’œuvre capture le moment fugace où le printemps cède la place à l’été, incarnant à merveille le concept japonais de yuku haru (行く春), “le printemps qui s’en va”.
L’ensemble de l’œuvre nous invite à la contemplation et à l’acceptation du cycle des saisons. Gyokudō ne cherche pas à figer la beauté printanière, mais plutôt à en transmettre la poésie fugace. L’artiste nous invite à une méditation sur l’impermanence de la nature et la beauté des instants transitoires, en harmonie avec les principes esthétiques du nihonga et la sensibilité japonaise aux saisons.
yuku haru ya / shunjun toshite / hosozakura
le printemps qui s’en va
s’attarde dans les derniers
cerisiers en fleurs1
Poème de Yosa Buson, tiré de COLLET Hervé et CHENG Wing fun, “Ah! le printemps, le printemps, ah! ah le printemps”, éd Moundarren, 1991, p.148.
Avec Yuku Haru-zu, Kawai Gyokudō capture l’essence même de l’éphémère. Cette œuvre résonne avec la sensibilité japonaise face au passage du temps, une sensibilité que l’on retrouve aussi dans l’art du haïku. En contemplant ces panneaux, nous devenons nous aussi spectateurs du printemps qui s’en va, conscients que chaque instant de beauté est appelé à disparaître pour mieux renaître.
Le Mont Fuji, emblème national du Japon, se dresse majestueusement au-dessus du pays, son sommet souvent coiffé de neige. Ce volcan sacré, qui culmine à 3 776 mètres, est un symbole puissant de la beauté naturelle, du spirituel et de l’identité japonaise. Depuis des siècles, il est au centre des croyances, des mythes et de l’art japonais. Cet article explore la place centrale du Mont Fuji dans la culture japonaise et son impact sur les artistes, avec des exemples d’œuvres emblématiques de Hokusai, Hiroshige et Takeuchi Seiho.
Hokusai, Le Fuji reflété dans le lac à Misaka dans la province de Kai, planche 46, vers 1830.
L’Importance du Mont Fuji dans la Culture Japonaise
Le Mont Fuji, surnommé Fujisan en japonais, est une montagne sacrée et un objet de vénération dans le shintoïsme. Selon la légende, il abriterait un esprit divin, et les pèlerins ont longtemps escaladé la montagne pour accomplir des rituels spirituels. Dans les mythes japonais, le Mont Fuji est parfois lié à des divinités féminines, symbolisant la pureté et la beauté. Cette montagne est également associée à des concepts tels que la persévérance, l’harmonie avec la nature et la sagesse intérieure.
De plus, le Mont Fuji est un sujet récurrent dans les arts japonais, et de nombreux artistes ont cherché à capturer sa majesté et sa symbolique, qu’il s’agisse de paysages traditionnels, de gravures sur bois ou de peintures. Cette montagne représente aussi une sorte de miroir de l’âme japonaise : une présence constante et tranquille, mais toujours changeante, selon les saisons et les conditions météorologiques.
Le Mont Fuji dans l’Art Japonais : Hokusai, Hiroshige et Takeuchi Seiho
Hokusai et la série 36 vues du Mont Fuji
L’une des œuvres les plus célèbres de Katsushika Hokusai, La Vague de Kanagawa, est un exemple marquant de l’influence du Mont Fuji dans l’art japonais. Cette estampe, réalisée en 1831, est la première planche de la série 36 vues du Mont Fuji. Dans cette image saisissante, une grande vague déferle vers des bateaux en mer, tandis que le Mont Fuji, petit et serein, apparaît en arrière-plan. La composition dynamique de la vague contraste avec la calme majesté de la montagne, offrant une vision poétique de la relation entre l’homme, la nature et le sacré. La vague elle-même, symbole de la force destructrice de la mer, semble en quelque sorte inoffensive face à la montagne, dont la stabilité et la majesté transcendent les forces de la nature.
Katsushika Hokusai, La Vague de Kanagawa, planche n°1 de la série Les 36 vues du Mont Fuji, estampes nishiki-e, 1831.
La série de Hokusai, comprenant plus de 46 estampes, capture différentes vues du Mont Fuji sous différents angles et dans diverses conditions météorologiques. Chaque œuvre est une exploration de la beauté intemporelle du Mont Fuji, en lien avec la vie quotidienne des Japonais et les rythmes naturels. L’œuvre La Vague de Kanagawa s’impose comme un chef-d’œuvre non seulement pour sa technique, mais aussi pour la manière dont elle symbolise l’unité entre la nature et l’homme.
Une autre vague…
Dans le volume 2 du ehon Les cent vues du Mont Fuji, la planche 38 représente une scène saisissante d’une grande vague déferlant sur l’océan, semblable à celle de la célèbre Vague de Kanagawa de la série 36 vues du Mont Fuji. Cependant, cette estampe se distingue par sa composition plus dynamique et son traitement unique. La vague, gigantesque et effrayante, semble prendre toute la scène, déployant ses crêtes blanches qui contrastent avec l’immensité du fond noir de l’océan.
Les illustrations de Hokusai pour différents livres d’images (ehon) et romans de son époque sont le reflet de la créativité débordante de l’artiste. Réel terrain de jeu expressif, ces illustrations vont bien au-delà du carcan parfois rigide des séries d’estampes de luxe.
Katsushika Hokusai, Les cent vues du Mont fuji, p.38, ehon, vol.2, 1834-1835.
À la différence de La Vague de Kanagawa, qui se concentre sur l’interaction entre l’homme et la nature, cette planche met davantage l’accent sur la puissance brute de la mer elle-même. L’aspect spectaculaire de la vague est amplifié par la présence d’oiseaux qui volent à travers la scène, ajoutant à la dynamique générale. Le Mont Fuji, tout comme dans les autres œuvres de la série, est présent à l’arrière-plan, mais il est relégué à un rôle secondaire par rapport à la violence de la vague qui domine la composition.
L’utilisation du noir et blanc dans cette œuvre accentue la force dramatique de la scène, avec des contrastes frappants qui mettent en valeur l’agitation de l’eau et la majesté du Mont Fuji, toujours calme et lointain. Hokusai, par son utilisation du mouvement et de l’espace, fait de cette estampe une œuvre non seulement visuellement impressionnante, mais aussi symbolique, reflétant la coexistence des forces naturelles opposées : la stabilité de la montagne et la fureur de la mer.
Cette planche illustre la capacité de Hokusai à traiter le Mont Fuji non seulement comme un objet de contemplation spirituelle, mais aussi comme un élément fondamental d’un paysage naturel où les éléments (mer, vent, oiseaux, montagne) sont en perpétuel mouvement et interaction. Contrairement à d’autres vues plus paisibles de la montagne, Hokusai parvient ici à capter l’énergie brute de la nature et à la mettre en relation avec la montagne, soulignant la dualité entre le calme immuable du Fuji et l’instabilité explosive de la mer.
Hiroshige et le Mont Fuji
Ando Hiroshige, un autre maître de l’estampe ukiyo-e, a également consacré plusieurs séries au Mont Fuji. Cependant, dans ses œuvres, Hiroshige a souvent opté pour une vision plus tranquille et poétique du Fuji. Par exemple, dans sa série Les 53 Stations du Tōkaidō (1833-1834), Hiroshige inclut des vues du Mont Fuji qui se fondent harmonieusement dans le paysage, souvent enveloppées de brume ou de lumière douce. Hiroshige cherche à exprimer la beauté de la montagne dans ses moments les plus paisibles et contemplatifs, où la nature et l’architecture humaine sont en parfaite harmonie.
Hiroshige, Station 13 : Hara, de la série Les 53 Stations du Tōkaidō, estampes nishiki-e, 1833-1834, musée Guimet, Paris.
Dans la planche 13 de la série Les 53 Stations du Tōkaidō, intitulée Hara, Hiroshige représente une vue de la station de Hara avec un Mont Fuji majestueux en arrière-plan. Le ciel est teinté de nuances douces de rose et de bleu, créant une atmosphère tranquille. Le Mont Fuji apparaît ici de manière imposante, impression accentuée par son sommet qui sort carrément du cadre de l’image. Cette figure majestueuse est contrebalancée par la composition générale de l’oeuvre avec le triangle formé par les 3 voyageurs au premier plan, le deuxième plan plus linéaire et monochrome, mais aussi par le choix d’une palette douce.
Les couleurs pastel du ciel, en particulier les tons roses, soulignent la douceur de la scène, le Fuji est baigné de lumière rose et de nuances subtiles. Dans Hara, Hiroshige montre sa maîtrise des compositions audacieuses et dynamiques ainsi qu’un traitement réaliste de son sujet. Ce paysage de campagne évoque un moment de contemplation et de sérénité.
Takeuchi Seiho et Pink Fuji
Takeuchi Seiho (1864-1942), un peintre de la période Meiji et Taishō, est connu pour ses œuvres mêlant la tradition et la modernité, souvent avec une touche d’impressionnisme. L’une de ses œuvres les plus célèbres, Pink Fuji, est une représentation audacieuse du Mont Fuji au crépuscule, baigné d’une lumière rose presque surréaliste. Cette image du Fuji est presque abstraite, se concentrant sur la palette de couleurs et l’effet visuel plutôt que sur la précision des détails. Le Fuji ici est enveloppé d’une atmosphère douce et mystérieuse, où la couleur devient le principal moyen d’expression de l’émotion.
Takeuchi Seiho, Pink fuji (Beni Fuji), gravure sur bois en couleurs,, 1937.
Dans Pink Fuji, Seiho capte une facette plus poétique et moins réaliste du Mont Fuji, loin des représentations traditionnelles. La technique de peinture délicate, les tons roses et violets qui dominent l’œuvre, offrent une vision intime de la montagne, comme un rêve ou une vision spirituelle.
D’un univers à l’autre
Comparaison entre la planche 13 de Hiroshige et Pink Fuji de Takeuchi Seiho
Atmosphère et couleurs : Dans les deux œuvres, la palette de couleurs douces, en particulier les nuances de rose et de violet, est utilisée pour créer une ambiance calme et paisible. Chez Takeuchi Seiho, ces couleurs sont associées à un Fuji presque abstrait, presque flottant dans une brume légère, tandis que chez Hiroshige, le Fuji est toujours une présence tangible, mais la lumière rose qui l’entoure contribue à lui donner un aspect mystique et idéalisé.
Traitement du Mont Fuji : Dans Hiroshige, le Mont Fuji est traité comme une partie intégrante du paysage, presque un symbole de stabilité et de majesté.Le fait que sa cime sorte du cadre accentue son côté majestueux. Il est toujours présent, mais semble légèrement enveloppé par les brumes et le ciel rose, ce qui le rend éthéré et rêveur, tout comme dans Pink Fuji, où Takeuchi rend le Fuji plus fluide et moins concret. La comparaison réside dans cette manière d’inclure le Fuji dans un espace presque surnaturel, tout en conservant une certaine abstraction.
Interaction avec la nature : Dans l’œuvre d’Hiroshige, le paysage campagnard de Hara, avec ses voyageurs, ses rizières et ses grues, est une scène vivante, ancrée dans le quotidien. Tandis que Takeuchi Seiho, en choisissant de minimiser les éléments de la scène pour se concentrer sur le Mont Fuji, crée une œuvre où la nature est plus contemplative et introspective. La couleur se fait le relai de la beauté de la nature.
Les deux œuvres partagent une atmosphère sereine et une utilisation poétique des couleurs, tout en traitant le Mont Fuji comme une présence symbolique et spirituelle. Si Hiroshige reste plus ancré dans la tradition et le réalisme, Takeuchi adopte une approche plus abstraite et contemplative, ce qui offre une comparaison fascinante entre ces deux styles de représentation du Mont Fuji.
Takeuchi Seiho, Le mont Fuji, peinture sur paravent, avant 1942, musée Homma, Yamagata.
Le Mont Fuji, en tant que motif central dans la culture et l’art japonais, continue de fasciner et d’inspirer. À travers les œuvres de Hokusai, Hiroshige et Takeuchi Seiho, il devient bien plus qu’un simple sommet : il incarne une philosophie esthétique et spirituelle. Chaque artiste a apporté sa propre vision du Mont Fuji, mais tous partagent une même admiration pour sa majesté intemporelle, qui représente à la fois la nature, la culture et l’âme du Japon.
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Sources
FORRER Matthi, Hokusai, Bibliothèque de l’Image, 1996.
Brochure et magazines (japonais)
Hokusai, édition définitive (Hokusai ketteihan), sous la direction de HIDETAKE Asano, édition spéciale Taiyo 50e anniversaire, Nihon no kokoro 174, Heibonsha Co Ltd., 25 novembre 2010.
Paysages des 53 stations du Tokaidô par Hiroshige (Hiroshige no Tokaidô gojitsu miyoshi tabi keshiki), AKIAKI Sahori, éditions Shujinbunsha, 1er avril 2008 (4e édition).
Dans le monde de la peinture japonaise, Takeuchi Seihô (1864-1942) est une figure incontournable. Représentant de l’école nihonga (peinture japonaise par opposition à la peinture occidentale), il a su marier avec subtilité les techniques classiques de son époque et une sensibilité personnelle qui le rend unique. Dans cet article, nous allons explorer l’univers de cet artiste exceptionnel, ainsi que l’impact qu’il a eu sur l’art japonais.
TAKEUCHI Seihô, Chat tigré (Madaraneko), couleurs sur soie, 1924, Yamatane Art Museum, Tôkyô.
Un Artiste au Croisement des Époques
Takeuchi Seihô est né à Kyoto en 1864, à une époque où le Japon traversait des bouleversements majeurs, notamment l’ère Meiji qui voyait l’ouverture du pays au monde extérieur. Malgré cette modernisation rapide, Seihô s’est profondément attaché aux racines de la peinture traditionnelle japonaise, qu’il a étudiée au sein de la célèbre école de peinture de Kyoto, l’Académie de Peinture de Kyoto. Son mentor, Hashimoto Gaho, était l’un des plus grands maîtres de son temps et une figure de proue du mouvement nihonga, une réponse au défi de l’art occidental tout en préservant les traditions japonaises.
Un Maître de la Nature
Seihô est surtout reconnu pour sa représentation minutieuse et poétique de la nature. Les animaux, les oiseaux et les plantes sont les sujets de prédilection de l’artiste. Sa capacité à rendre la beauté de la faune et de la flore avec une précision quasi photographique est l’une des caractéristiques qui distingue son œuvre. Mais au-delà de la technique, c’est l’émotion qu’il parvient à transmettre à travers ses représentations de la nature qui touche profondément le spectateur.
L’un des éléments les plus fascinants dans son travail est sa capacité à saisir des instants fugaces de la vie animale. Ses oiseaux sont souvent montrés dans des poses naturelles et animées, loin des poses figées que l’on trouve dans beaucoup de représentations traditionnelles.
Neige de printemps illustre à merveille son approche délicate de la nature. Cette œuvre met en scène un corbeau perché sur la proue d’un bateau, sous une chute de neige fine. Le choix du corbeau, un oiseau souvent associé à la solitude et à la persévérance dans l’imaginaire japonais, ajoute une dimension symbolique forte à la scène.
TAKEUCHI Seihô, ‘Neige de printemps’ (Shunsetsu), encre et couleurs sur soie, 1942, National Museum of Modern Art, Kyōto
Le contraste entre le plumage sombre de l’oiseau et la blancheur des flocons met en valeur la maîtrise des nuances et des textures chez Seihô. Le corbeau, légèrement voûté, semble contempler le paysage enneigé, donnant à l’ensemble une atmosphère de silence et de mélancolie. L’interaction subtile entre la rigidité de la proue du bateau et la souplesse du corps de l’oiseau, dans cette position particulière, renforce l’impression réaliste d’un moment suspendu entre mouvement et immobilité.
Seihô joue aussi avec l’espace négatif, laissant une large part de la composition vide, ce qui accentue la sensation de froid et d’immensité silencieuse. Cette utilisation du vide est typique de la peinture japonaise traditionnelle, où l’absence d’éléments superflus permet de focaliser l’attention sur l’essence du sujet.
Avec Neige de printemps, Takeuchi Seihô démontre une fois de plus son talent pour saisir l’instant, transformant une scène du quotidien en une œuvre empreinte de poésie et de contemplation.
TAKEUCHI Seihô, Poissons et fruits d’automne (Gyohi yama hate juku), couleurs sur soie, 1925, Adachi Musuem of Arts.
Une Maîtrise Technique Exceptionnelle
Seihô était également reconnu pour sa maîtrise des techniques de peinture. Dans ses œuvres, il utilise souvent de l’encre et des pigments minéraux traditionnels, mais il applique une touche de modernité dans ses compositions, en jouant avec des espacements et des éclairages peu conventionnels pour l’époque. Par exemple, dans certaines de ses peintures de fleurs ou de paysages, il parvient à capturer la lumière de manière subtile, créant un contraste doux entre l’ombre et la lumière.
Deux techniques, deux ambiances, deux paysages
1. Pink Fuji
Dans Pink Fuji, Takeuchi Seihô capture un moment fugace et presque irréel où le Mont Fuji se pare d’une teinte rosée, évoquant l’aube ou le crépuscule. Le Mont Fuji, figure emblématique du Japon et sujet récurrent dans l’art japonais, est ici traité avec une approche délicate et subtile.
TAKEUCHI Seihô, “Pink Fuji” (Beni Fuji), gravure sur bois en couleur, 1937, Collection of Seihō’s Masterwoorks (Seihō ippin shū).
Ce qui frappe immédiatement dans cette œuvre, c’est la douceur des couleurs utilisées. Seihô emploie des dégradés subtils de rose et de bleu pour représenter le jeu de la lumière sur les pentes enneigées du Fuji. Cette teinte rose donne une impression de sérénité et de légèreté, contrastant avec la majesté imposante de la montagne.
La composition est à la fois simple et évocatrice : le Mont Fuji domine la scène, isolé dans un espace presque vide, renforçant ainsi son caractère sacré et intemporel. Seihô a su exploiter la technique du vide, un principe fondamental de la peinture japonaise, pour donner une impression de grandeur et de mystère.
Par cette œuvre, l’artiste ne cherche pas seulement à représenter fidèlement la montagne, mais aussi à capturer une atmosphère et une émotion. Le spectateur se retrouve face à une image qui évoque à la fois la tranquillité, l’éphémère et le respect de la nature.
2. Pin vert et château
L’œuvre Pin vert et château (青松城, Seishôjô) de Takeuchi Seihô illustre un paysage dominé par un majestueux pin au premier plan, tandis qu’en arrière-plan, un château se dessine à travers une brume légère. Ce contraste entre la présence imposante de l’arbre et la silhouette évanescente du château donne à la composition une dynamique subtile entre solidité et évanescence.
TAKEUCHI Seihô, Pin vert et château (Seishôjô), couleurs sur soie, avant 1942.
Le pin, rendu avec des coups de pinceau à la fois précis et spontanés, traduit la force et la résilience de cet arbre souvent associé à la longévité dans l’iconographie japonaise. Son tronc noueux et ses branches aux aiguilles denses montrent l’expertise de Seihô dans l’art du sumi-e et du nihonga, où la peinture ne cherche pas seulement à reproduire la nature, mais à en capter l’essence.
Le château, en arrière-plan, semble presque irréel. Dissimulé dans la brume, il évoque les estampes japonaises du XIXe siècle où les paysages sont souvent enveloppés d’une atmosphère vaporeuse. Ici, la brume joue un rôle central, non seulement en apportant une profondeur spatiale, mais aussi en créant une sensation de rêve ou de souvenir lointain.
La composition repose sur un équilibre subtil entre présence et absence, entre matière et vide, où chaque élément semble dialoguer avec l’espace environnant. Cette approche rappelle la philosophie esthétique japonaise du yohaku no bi (la beauté du vide), où ce qui n’est pas peint est aussi important que ce qui l’est.
Comparaison entre Pink Fuji et Pin vert et château
Ces deux œuvres de Takeuchi Seihô offrent une vision contrastée de son art, oscillant entre peinture traditionnelle et impression imprimée.
Aspect
Pink Fuji
Pin vert et château
Technique
Impression sur soie (ou papier)
Peinture Nihonga (sumi-e et pigments)
Composition
Paysage stylisé et épuré
Paysage plus détaillé avec jeux de texture
Éléments dominants
Mont Fuji rose dans un ciel clair
Pin imposant et château voilé dans la brume
Couleurs
Teintes douces, dominées par le rose et le beige
Contrastes plus marqués entre vert profond et gris brumeux
Ambiance
Onirique, paisible et épurée
Mélancolique, mystérieuse et intemporelle
Utilisation de l’espace
Ciel dégagé, focus sur la silhouette du Fuji
Superposition de plans, jouant sur la profondeur
Alors que Pink Fuji mise sur une esthétique minimaliste et presque symboliste, où la montagne devient une icône intemporelle, Pin vert et château privilégie une approche plus immersive, jouant avec les textures et la matérialité de la peinture pour évoquer une atmosphère.
La grande différence entre ces œuvres réside dans leur technique : Pink Fuji étant une impression, elle reflète un style plus épuré et graphique, tandis que Pin vert et château, peint à la main, exploite la richesse du geste pictural et la subtilité des dégradés d’encre et de pigments.
Là où Pink Fuji tend vers l’abstraction et l’épure, Pin vert et château s’inscrit dans la tradition picturale japonaise du paysage méditatif, où le regard se perd entre les détails de l’arbre et la douceur du lointain.
Ces deux œuvres témoignent ainsi de la polyvalence de Takeuchi Seihô, capable d’exceller aussi bien dans l’art de l’estampe que dans la peinture plus expressive et texturée du nihonga.
L’Héritage de Seihô
L’héritage de Takeuchi Seihô reste aujourd’hui encore très influent dans l’art japonais. Son respect de la tradition et sa capacité à interpréter la nature avec une telle délicatesse ont inspiré de nombreux artistes de la période Showa et au-delà. De plus, ses œuvres continuent d’être exposées dans des musées prestigieux, tels que le Musée national de Tokyo, et sont admirées tant par les passionnés de nihonga que par ceux qui découvrent cette forme d’art.
Takeuchi Seihô a prouvé qu’il était possible de renouveler les pratiques artistiques tout en restant fidèle aux traditions. Son œuvre reste un modèle de beauté et de respect de la nature, et il continue de fasciner ceux qui cherchent à comprendre l’âme du Japon à travers l’art.
L’arbre occupe une place essentielle dans l’art japonais, à la fois comme élément esthétique et symbole philosophique. Dans les estampes ukiyo-e, il joue un rôle central en structurant l’espace, en guidant le regard du spectateur et en incarnant des notions spirituelles comme le wabi-sabi (l’acceptation de l’impermanence et de l’imperfection). Cet article explore la représentation des arbres dans l’art japonais à travers des œuvres emblématiques de grands maîtres comme Hokusai et Hiroshige, en mettant en lumière leur importance dans la composition, la perspective et l’expression de la spiritualité.
1. Les arbres comme protagonistes dans les estampes ukiyo-e
Dans les estampes ukiyo-e, les arbres sont bien plus qu’un simple décor : ils sont souvent les véritables protagonistes des scènes représentées. Les maîtres de l’estampe ont su leur donner une présence vivante et expressive, leur conférant une force symbolique qui dépasse leur simple fonction esthétique.
C’est particulièrement frappant dans certaines œuvres d’Utagawa Hiroshige, où l’arbre capte toute l’attention du spectateur. Dans Le pin de la lune à Ueno (Ueno Yamauchi Tsuki no Matsu, 1857, n°89 de Cent vues célèbres d’Edo), un majestueux pin se dresse au premier plan, ses branches incurvées formant un cadre naturel qui guide le regard vers le paysage lointain. Symbole de force et d’immortalité dans la culture japonaise, ce pin séculaire semble veiller sur la ville endormie sous la lumière du crépuscule. Ce pin devenu centre du tableau prend toute la place et relègue au second plan le vrai centre d’attraction de l’estampe qui est le sanctuaire de Benten que l’on distingue à peine dans coin inférieur droit de l’image. Ce qu’encadre le pin est en réalité le quartier de résidence des daimyô.1
Un autre pin, tout aussi impressionnant, occupe le centre de la composition dans Le pin pour suspendre une armure à Hakone (Hakone Sanchū Yoroikake no Matsu, 1855, n°26). Accroché aux reliefs escarpés de la montagne, ce pin légendaire, nous raconte une histoire légendaire : celle du guerrier Hachimantaro Yoahiie (1041-1108), grand capitaine de l’armée japonaise à la fin de l’époque Heian (794-1185), qui pourchassant le rebelle Abe-no Sadato (1019-1062), s’arrêta sur cette colline et enleva son armure qu’il suspendit aux branches du pin.2 A l’époque de Hiroshige, ce pin était déjà connu pour ses dimensions extraordinaires (une vingtaine de mètres de hauteur et une largeur qui pourrait “contenir un boeuf entier”), mais Hiroshige ne s’intéresse pas à la précision documentaire et adapte la forme de l’arbre. Il le représente plus fin et lui donne une courbe où l’on peut voir un crochet, rappelant ainsi subtilement la légende associée à cet arbre.3 Le pin domine la partie centrale de la composition tandis que voguent plusieurs voiliers sur l’eau calme de la baie d’Edo. Sous les pins on aperçoit des voyageurs empruntant la fameuse route du Tôkaidô reliant Edo à Kyoto. Chacun vaque à ses occupations sous la présence imposante et rassurante du pin légendaire.
Un troisième exemple, peut-être l’un des plus célèbres, avec Le jardin de pruniers à Kameido (Kameido Ume Yashiki, 1857, n°30), où un prunier aux branches noueuses s’impose au premier plan. Connu sous le nom de Garyûbai (« prunier du dragon couché »), il étire ses rameaux fleuris dans une composition audacieuse, emplissant presque toute l’image. Avec ses fleurs délicates contrastant avec son tronc tourmenté, il incarne la résilience et le renouveau, une symbolique chère à l’esthétique japonaise. Cet arbre n’a pas survécu à l’inondation de 1880, mais on y trouve encore une stèle commémorative. Cette estampe est connue pour avoir influencé Vincent Van Gogh et avec lui l’art occidental, grâce à sa composition et à son rythme émotionnel considéré comme typiques de l’art japonais.4
À travers ces œuvres, Hiroshige donne aux arbres une véritable présence vivante : plus que de simples éléments du paysage, ils deviennent des témoins du temps, porteurs de mémoire et de symboles profonds.
OUSPENSKI Mikhail, Hiroshige, Cent vues d’Edo, éd. Parkstone Press International, New York, 2008, p.195.
Ibid, p.68.
Idem.
Ibid, p.76..
2. L’arbre, un élément d’équilibre et de perspective
L’art japonais accorde une importance primordiale à l’équilibre des formes et des espaces, et les arbres jouent souvent un rôle clé dans la structuration des compositions. Ils servent à organiser la perspective, à orienter le regard du spectateur et à créer un dialogue visuel entre les différents éléments du paysage. Les arbres sont souvent bien plus que de simples éléments du décor : ils participent activement à la construction de l’espace et à l’ambiance de la scène.
Dans l’estampe Le lac Suwa dans la province de Shinano (Shinshū Suwa-ko), oeuvre issue de la série Trente-six vues du mont Fuji de Katsushika Hokusai, en est un exemple frappant. Au premier plan, un arbre massif aux branches puissantes et torturées s’étire en diagonale, encadrant la vue sur le lac et sur les montagnes en arrière-plan. Son tronc robuste et ses feuillages épars créent un contraste avec la douceur des eaux et la tranquillité du mont Fuji, visible au loin. Cet arbre joue un rôle fondamental dans la composition : il sert à guider le regard du spectateur à travers l’image, tout en ajoutant une profondeur et une dimension sculpturale à la scène. Jouant sur la diagonale et l’effet de symétrie, Hokusai s’assure que le spectateur voie toute l’image et pas seulement le Mont Fuji. À travers cette œuvre, Hokusai met en évidence la puissance de la nature et son interaction avec le paysage, transformant l’arbre en un élément structurant et narratif au cœur de la composition.
Dans Pluie soudaine à Shono (Shono haku-u), une planche issue de la série Les cinquante-trois stations du Tôkaidô (1833–1834) d’Hiroshige, les arbres bordant la route accentuent la dynamique du vent et de la pluie tout en suggérant la profondeur grâce au traitement des couleurs. S’effaçant petit à petit, avalés par les torrents de pluie, les branches penchées des arbres donnent l’impression que les voyageurs luttent contre les éléments, renforçant l’aspect narratif et émotionnel de l’image. Ici, l’arbre devient un indicateur du climat et participe à la narration visuelle, un procédé fréquemment utilisé dans l’ukiyo-e.
3. L’arbre et le concept de wabi-sabi
Dans la philosophie japonaise, l’arbre est souvent associé au wabi-sabi, cette esthétique qui célèbre la beauté de l’imperfection et de l’éphémère. Les saisons, qui transforment le paysage, sont un élément clé de cette vision du monde, et les arbres en sont les principaux témoins.
DansLes érables rouges à Mama près du sanctuaire Tekona-no yashiro et le pont Tsugihashi (Mama no Momiji Tekona no yashiro Tsugihashi, n°94 de Cent vues célèbres d’Edo, 1857) Hiroshige capture l’automne dans toute sa splendeur avec des érables flamboyants dominant la scène. Leurs feuillages écarlates contrastent avec le pont en bois et la rivière en contrebas, créant une composition vibrante et immersive. Ces érables ne se contentent pas d’apporter une touche de couleur : ils sont les véritables protagonistes de l’image, symbolisant le changement inéluctable des saisons et la beauté éphémère de la nature. Ici l’évocation est aussi poétique car le sanctuaire Tekona-no yashiro et toute la région alentours sont associés à une légende citée dans le Man’yoshuû (première anthologie poétique japonaise du milieu du VIIIe siècle). Une jeune paysanne à la beauté renversante ne pouvant plus supporter d’être la cause de querelle entre les hommes honorables finit par se jeter à l’eau près de sa maison à Mama. Un temple fut érigé non loin de là au XVIe siècle.1 L’interprétation au premier et au second degré de cette oeuvre renforce sa puissante évocation du concept de wabi-sabi et invite le spectateur à vivre l’instant présent.
D’un autre côté, Cerisiers en fleurs le long de la rivière Tama-gawa (Tamagawa tsutsumi no hana, n°42 de Cent vues célèbres d’Edo, 1856) célèbre la douceur du printemps. Hiroshige représente une rangée de cerisiers en pleine floraison, bordant paisiblement la rivière Tama. Le regard du spectateur suit la courbe délicate des arbres, dont les branches alourdies par les fleurs semblent caresser le ciel. Ces cerisiers en fleurs incarnent la fragilité et la splendeur fugace de la vie, une thématique profondément ancrée dans la culture japonaise et illustrée chaque année par le hanami, la contemplation des cerisiers en fleurs. Au delà de sa splendeur et de sa popularité, le cerisier en fleurs est donc un élément socio-culturel fondamental. Ici, le quartier représenté est celui de Shijuku qui à l’époque de Hiroshige était un des quartiers les plus animés d’Edo et l’occasion de parties de plaisir en plein air privilégiées. Cet aspect est représenté par les différents personnages flânant le long du fleuve, profitant ainsi de la beauté éphémère des fleurs mais aussi de la vie elle-même.2
À travers ces estampes, Hiroshige ne se contente pas de représenter la nature : il en saisit la poésie et la temporalité, transformant les arbres en de véritables narrateurs du temps qui passe tout en célébrant la beauté éphémère de la nature.
OUSPENSKY, p.204.
Ibid, p.100.
Les arbres dans l’art japonais ne sont pas de simples éléments décoratifs, mais des acteurs à part entière des compositions. Ils structurent l’espace, expriment des émotions et véhiculent des concepts philosophiques et spirituels profonds. À travers les estampes d’Hokusai et d’Hiroshige, nous voyons comment les arbres participent à l’équilibre esthétique des images, tout en reflétant des notions aussi variées que l’impermanence des saisons, la contemplation silencieuse et la connexion entre l’homme et la nature.
Le Serpent dans le Folklore et l’Imaginaire Japonais : Entre Crainte et Vénération
Le serpent (hebi – 蛇) occupe une place singulière dans la culture japonaise, oscillant entre crainte et respect profond. Tantôt gardien des eaux, figure protectrice et symbole de fertilité, tantôt créature menaçante et rusée, il incarne une ambivalence fascinante qui se reflète dans les contes, les légendes et les lieux sacrés du Japon.
Nishizawa Tekiho, Unai no mono (うないのとも), 1924, Bibliothèque nationale de la Diète (国立国会図書館).
Le Serpent Protecteur : Symbole de Fertilité et de Prospérité
Dans certaines croyances rurales, le serpent est associé aux divinités de l’eau et de la récolte. Il est parfois vu comme le messager des kami (divinités shintoïstes), capable de protéger les foyers et les terres agricoles. Par exemple, dans la préfecture de Kumano, les temples dédiés à Benzaiten (déesse de l’eau, de la musique et de la sagesse) honorent souvent les serpents blancs, considérés comme ses messagers.
Dans les croyances populaires, il est aussi associé à la protection, surtout dans les sanctuaires shintoïstes où des statues de serpents sont parfois utilisées pour éloigner les mauvais esprits.
De la même manière, dans certains contes folkloriques japonais, un serpent prend la forme d’un jeune homme ou d’une fille pour devenir le partenaire d’un humain et l’aider à surmonter son quotidien pénible. Cependant, un humain et un animal fantastique ne peuvent vivre éternellement heureux et survient un malheur (souvent provoqué par l’humain et sa curiosité) qui renvoie l’animal dans son monde, laissant l’humain et sa progéniture au désespoir (par exemple dans le conte “Le serpent du ciel”)1. D’autres fois, c’est un serpent élevé par un couple d’humains mais sa forme et sa nature profonde l’empêchent de s’intégrer vraiment au monde des humain et il finit par se sacrifier pour garantir la prospérité du couple qui l’avait recueilli (voir le conte “Haze, le serpent reconnaissant”)2. Il existe aussi des versions où c’est l’humain qui décide de renoncer à son monde par amour et à rejoindre le serpent dans son élément aquatique (par exemple dans le conte “La mare à Oyoshi”)3.
BIHAN-FAHOU Françoise et SHINODA Chiwaki, traduit du japonais et présenté par, “De serpents galants et d’autres”, éd. Connaissances de l’Orient, Gallimard, 1992, p.180-181.
BIHAN-FAHOU Françoise et SHINODA Chiwaki, traduit du japonais et présenté par, “De serpents galants et d’autres”, éd. Connaissances de l’Orient, Gallimard, 1992, p. 191-192.
BIHAN-FAHOU Françoise et SHINODA Chiwaki, traduit du japonais et présenté par, “De serpents galants et d’autres”, éd. Connaissances de l’Orient, Gallimard, 1992, p.244-247.
Le Serpent Malveillant : Créature de Défi et de Destruction
À l’opposé, certaines légendes présentent le serpent comme une créature redoutable. L’exemple le plus emblématique est celui de Yamata no Orochi, un serpent à huit têtes et huit queues qui terrorisait le pays d’Izumo avant d’être terrassé par le dieu Susanoo. On trouve la description de ce monstre à huit têtes dans le Kojiki (Receuil des faits anciens, 712, ouvrage marquant le début de la littérature japonaise) et le Nihon shoki (Annales du Japon, 720) il a “huit queues et huit têtes, ses yeux sont rouges comme des physalis, et il exhale un souffle venimeux semblable à des flammes. Son corps s’étend sur huit vallées et huit montagnes. Sur son dos poussent de la mousse, des cèdres et des cyprès. Tout le long de son ventre est parcouru de rivières de sang, et ses chairs sont constamment incandescentes”1. Ce mythe raconte à la fois la dangerosité du serpent et le pouvoir héroïque de ceux qui osent l’affronter.
Hors de la mythologie, la figure du serpent comme figure maléfique est souvent présente dans les contes folkloriques. Pour exemple les contes “Le serpent épinglé”(pp. 231-232) et “Le serpent samouraï” (pp.233)2.
Katsushika Hokusai, Obsession (しうねん), vers 1830.
Dans le monde de l’art, la figure du serpent est souvent utilisée pour sa forme facilement changeante, mais aussi pour son potentiel dramatique. Dans l’image ci-dessus, le serpent représente la jalousie obsessive qui l’on dit perdurer après la mort. C’est pour ça que les esprits des femmes jalouses (très présentes dans les histoires populaires) qui viennent hanter leur amant, sont souvent représentée sous forme de serpent. Ici il enlace une tablette funéraire placée à côté d’offrandes.3
Le serpent est donc souvent perçu comme une créature à la fois puissante et redoutée, mais aussi capable de transformation, un symbole de renouveau et de changement.
JOLLIVAT Sylvain, Esprits et créature du japon : rencontres à l’heure du boeuf, éd. You Feng, p.12.
Toujours tiré du recueil “De serpents galants et d’autres” traduit du japonais et présenté par BIHAN-FAHOU Françoise et SHINODA Chiwaki, éd. Connaissances de l’Orient, Gallimard, 1992.
L’année 2025 est placée sous le signe du Serpent dans l’astrologie chinoise. Dans cette tradition, chaque signe du zodiaque est associé à une série de qualités et d’influences qui marqueront l’année. Le Serpent est souvent perçu comme un symbole de sagesse, de discrétion et de réflexion. Les personnes nées sous ce signe sont souvent vues comme mystérieuses, astucieuses et dotées d’une grande intuition. En 2025, ces caractéristiques seront renforcées, incitant à une période de réflexion profonde et de prudence dans les choix à venir.
Mi et Hebi, deux kanji différents pour un même animal
En japonais, le mot “Serpent” peut être exprimé de deux façons principales : hebi (蛇) et mi (巳). Bien que ces deux termes désignent le même animal, leur utilisation diffère. Le terme mi (巳) est spécifiquement utilisé pour désigner l’année du Serpent dans le zodiaque chinois et japonais, alors que hebi (蛇) est utilisé dans la langue courante.
Pourquoi ne pas utiliser le kanji hebi (蛇) pour ce contexte ? Le kanji mi (巳) est un caractère plus ancien et fait partie des douze signes du zodiaque traditionnel chinois et japonais, représentant les années et non simplement l’animal en soi. Le choix de mi renvoie ainsi à une tradition plus ancrée dans les croyances chinoises et japonaises, où chaque animal du zodiaque est lié à un cycle astrologique.
Je te souhaite donc une excellente année sous le signe du serpent et me réjouis de te retrouver au détour d’une future activité, en ligne ou en présentiel.
Cet automne je te propose de faire de la place à ta créativité grâce à mon Bingo d’Automne. Prends ta plume ou tes pinceaux et viens créer sur mes 30 thèmes d’automne.
